FTB abre convocatoria para obra internacional

Por primera vez el Festival Internacional de Teatro del Bíobío abre convocatoria para obra internacional

Entre el 8 y el 15 de noviembre se celebra la XIV versión de FTB en  Concepción, y por primera vez estamos abriendo convocatoria a una obra internacional para ser parte de nuestra programación 2023. FTB, desde 2013 es un Festival Internacional que ha exhibido obras de diferentes países, tales como: Estados Unidos, República Checa, Brasil, Colombia, Uruguay, Argentina, Perú, España y Bélgica.

Esperamos a través de esta instancia conocer nuevos trabajos de compañías Internacionales. La Convocatoria está orientada a la elección de una obra e incluye distintas disciplinas: Teatro, Performance, Nuevos Medios, Danza o Circo. Puede ser presentada en Sala, calle u espacio no convencional y debe tener una duración mínima de 30 minutos. Podrán participar todas las obras que hayan sido estrenadas desde el año 2017 en adelante, y compañías con al menos un montaje profesional a su haber y con más de una temporada.

Esta convocatoria es financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras (PAOCC). Y estará abierta desde el lunes 17 de Julio hasta el lunes 7 de agosto.

Consulta todas las bases AQUÍ

Una mirada sobre los festivales

Por Marcelo Bones*

“Primera premisa: si los festivales escénicos no existieran, habría que inventarlos. Segunda premisa: aquí y ahora, después de más de una década de travesía en el nuevo siglo, falta una reflexión profunda sobre los discursos que posibilitan la sostenibilidad y la renovación que los festivales necesitan para seguir sirviendo al entorno ciudadano para el cual fueron creados.”
 (Guillermo Heras)

Los festivales de manera general, en sus múltiples posibilidades de manifestaciones, están presentes desde los orígenes de la humanidad, siempre relacionados a rituales y celebraciones. La palabra Festival proviene del latín – festivus: idea de fiesta y festividad. Podemos considerar que las celebraciones a Dionisio, en Grecia, fueron los primeros festivales culturales de la historia.

Intentaremos aquí hacer un abordaje de los festivales específicos de teatro y podemos definirlos como una secuencia de presentaciones escénicas que ocurren acompañadas de actividades relacionadas, como talleres, debates, entre otras, siempre demarcadas en un periodo de tiempo y en un territorio determinado. Podemos decir que este concepto se fortaleció con el nacimiento de dos festivales occidentales emblemáticos: el Festival de Aviñón en Francia y el Festival de Edimburgo en el Reino Unido. Los dos surgieron en el mismo año de 1947 y con un impulso común: aglutinar artistas y contribuir a la reconstrucción de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Dicho esto, hay que llevar en cuenta un punto importante para la reflexión sobre los festivales: además de ser muestras de espectáculos y de su importancia artística, los festivales traen, en su origen, dimensiones sociales y políticas.

Los festivales se desarrollaron y se expandieron en Europa y llegaron a América Latina ya con este nuevo modelo que hace referencia a los dos festivales europeos: espectáculos, actividades paralelas, reflexión social y política, concentración de público, celebración y la conformación de un “hiato” en la vida de la gente. Manizales, ciudad ubicada en la zona cafetera de Colombia, tuvo su festival creado en 1968 y es el festival internacional, aún en actividad, más antiguo en América Latina. Su 55a edición será realizada del 21 al 28 de octubre de 2023. Otra referencia importante fue el Festival Internacional de Teatro de Caracas creado por el argentino Carlos Gimenez en 1971, que contó, a lo largo de sus ediciones, con la participación de los más importantes creadores de teatro del mundo. En Brasil, en 1958, la importante artista y militante del movimiento modernista brasileño, Patricia Rehder Galvão, la Pagu, con la colaboración de Paschoal Carlos Magno y el joven actor Plínio Marcos, realizó el Festival Santista de Teatro (Festa), de carácter nacional. Es el más antiguo festival aún en actividad del país.

En las décadas de 1960 y 1970 los festivales tuvieron, en toda América Latina, un papel fundamental en la aglutinación de la gente y en la resistencia a las dictaduras militares que se extendieron por el continente. También en Brasil, este enfoque político combativo fue intenso. Dos importantes festivales que surgieron en ese contexto de plena ebullición política de la década de 1960 y que aún están en actividad en los días de hoy, merecen destaque: el Festival de Teatro de Londrina (FILO) – que hasta 1990 se llamaba Festival Universitário de Londrina – y el Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto (FIT-SJRP) – que hasta 2001 se llamaba Festival Nacional de Teatro. Los dos empezaron casi simultáneamente, el primero en 1968 y el segundo en 1969. Comenzaran como festivales estudiantiles y aficionados y fueron, a lo largo de su trayectoria, madurando, incorporando la producción profesional nacional y luego se transformaron en festivales internacionales: el FILO en 1988 y el FIT-SJRP en 2001.

En las décadas de 1970 y 1980 pudimos acompañar un movimiento de creación y discontinuidad de muchos festivales por el país. Por su importancia, apunto el Festival Internacional de Artes Cênicas de São Paulo, creado por la actriz y emprendedora cultural Ruth Escobar, que con sus nueve ediciones, de 1974 a 1999, influenció de manera decisiva el teatro paulista y brasileño.

Sin embargo, es interesante constatar que fue especialmente en los años 1990 que vimos un fuerte movimiento de creación de los grandes festivales brasileños, que aún están en actividad. Sin profundizar, atribuiría este fenómeno a una ebullición cultural provocada por la redemocratización del país, que incitó un deseo de conocer otros movimientos teatrales, nacionales e internacionales, así como la creación de nuevos modelos de financiación de eventos culturales, que tiene destaque la Lei Rouanet, implantada en 1992. Entre los festivales que surgieron en ese movimiento y están hasta hoy en actividad, podemos citar: el Festival de Curitiba y Porto Alegre em Cena (1992), el Festival Nordestino de Teatro de Guaramiranga y el Festival Nacional de Teatro Isnard Azevedo, ahora llamado Floripa Teatro (1993), el FIT – Festival Internacional de Teatro de Belo Horizonte y el Janeiro de Grandes Espetáculos (1994), el Cena Contemporânea de Brasília (1995), el Riocenacontemporânea, que de una manera se transformó en el Tempo_Festival (1996), el Palco Giratório – Sesc (en 1998 surgió el circuito de espectáculos y en 2003 realizó su primer festival en Brasilia) y el Festival do Teatro Brasileiro (1999). Es interesante subrayar que también en América Latina los tres más grandes festivales aún en actividad se crearon en esa misma década o muy cerca de ella: el Festival Iberoamericano de Bogotá (1988), el Festival Internacional de Santiago de Chile (1994) y el FIBA ​​- Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires (1997).

En este gran panorama de los festivales de teatro es interesante relatar el surgimiento, en los años 2000, de iniciativas importantes para la organización, solidificación y articulación de los festivales en nuestro país. En 2003, fui invitado a dirigir la edición del FIT BH de 2004 y en las actividades de preparación organizamos un seminario sobre festivales internacionales de teatro. A partir de ese encuentro se creó el Núcleo dos Festivais Internacionais de Artes Cênicas do Brasil, formado por los festivales: POA em Cena (RS), FIT-BH (MG), FIT de São José do Rio Preto (SP), FILO de Londrina (PR) y Riocenacontemporânea (RJ), siendo que este último se acabó en 2008. Luego cuatro otros festivales se integraron al Núcleo: el Cena Contemporânea (DF), el Tempo_Festival das Artes (RJ), el FIAC (BA) y el Janeiro de Grandes Espectáculos (PE). Desde entonces, el Núcleo actúa en la promoción del debate sobre políticas públicas para festivales y realiza proyectos artísticos comunes, como coproducciones, etc.

En 2013 surgió el Observatório dos Festivais, organización orientada a la investigación, información y reflexión sobre los festivales de teatro en Brasil, de lo cual soy mentor y uno de los realizadores. A través del sitio web www.festivais.org.br, el Observatório presenta una lista de los principales festivales de teatro brasileños, con sus fechas de realización, direcciones, contactos, etc. También publica artículos reflexivos en portugués y español, además de noticias y reseñas de festivales visitados por su equipo. El Observatório tiene también una página en Facebook y es promotor y colaborador de encuentros y eventos con temáticas sobre festivales de teatro. Otra actividad del Observatório es la realización de cursos sobre circulación nacional e internacional para productores, grupos y compañías de artes escénicas.

Otra iniciativa de organización de festivales ocurrió en 2015 en el proceso de construcción de la Política Nacional de las Artes, propuesta por la Funarte/Ministério da Cultura (Minc), de la que fui consultor/articulador. Se realizaron muchos encuentros y seminarios para discusión de las políticas públicas para los festivales y su sostenibilidad, y de esta articulación surgió de manera informal la Rede de Festivales, compuesta hoy por cerca de 40 festivales de todo Brasil, incluyendo a los participantes del Núcleo.

Desafortunadamente, aunque con el aumento de la complejidad y del número de festivales en Brasil y su importancia artística y económica, todavía tenemos un desierto cuando se trata de informaciones e indicadores sobre esos eventos. No sabemos de forma sistemática ni siquiera cuántos son, cómo se distribuyen en el territorio brasileño y tampoco sus impactos artísticos y económicos. En una acción articulada entre el Observatório y la Rede de Festivais, con el apoyo del Grupo de Economia da Cultura del Centro de Desenvolvimento e Planejamento Regional de la Universidade Federal de Minas Gerais, se está realizando un trabajo inédito de mapeo y un primer estudio con levantamiento de indicadores e impactos en la circulación de espectáculos y en el despliegue artístico y económico de los festivales. Este estudio, que aún está en proceso de recolección de datos, tiene como objetivo hacer un mapeo y un levantamiento de los indicadores de los festivales realizados en el año 2016. Aunque tenga sido un año muy difícil, con fuerte reducción presupuestaria e incluso la cancelación de algunos festivales brasileños importantes, estos indicadores ya demuestran la fuerza y ​​la potencialidad de estos festivales. En el año de 2016, los presupuestos de los festivales movieron más de 30 millones de reales y alcanzaron un público superior a un millón de personas. En estos circuitos se mostraron más de 100 espectáculos diferentes y se presentaron más de 80 compañías internacionales. Son números aún no concluidos, pero que muestran la fuerza de los festivales y apuntan su importancia artística y económica. El levantamiento de estos indicadores es fundamental para que la sociedad, los artistas y el poder público entiendan la importancia que tienen los festivales de teatro, el impacto positivo que promueven y la necesidad urgente de construir una política pública fuerte dirigida a este sector.

Si se pregunta si los festivales son importantes, la respuesta inmediata es obvia: claro que sí. A pesar de los pocos estudios, la importancia de los festivales es concreta y sentida con claridad por los productores, artistas y público. Son muy importantes, en diferentes enfoques:

Son los eslabones fundamentales para la cadena de circulación y fruición de la producción teatral.

Son espacios privilegiados de innovación y difusión de la vanguardia artística.

Tienen fuerte capacidad de formación de profesionales técnicos y artísticos.

Cumplen una función importante en la formación de público y audiencias.

Tienen un importante impacto económico en la cadena productiva de la cultura del territorio donde ocurren.

Hace falta destacar el papel fundamental desempeñado por los festivales en la circulación de espectáculos y, para ello, hay que hacer una reflexión sobre cómo ocurre institucionalmente la circulación del teatro en Brasil. Sin embargo, podemos afirmar de manera segura que aunque la acción de los festivales vaya en este sentido, la situación de la circulación de espectáculos en Brasil no refleja la diversidad de nuestra producción, tampoco de la dimensión territorial. Es frágil en todos los sentidos y ocurre de manera precaria e incompleta. Me parece que vale la pena señalar algunos cuellos de botella en esta circulación artística en el territorio brasileño. Primero, es importante constatar que tenemos una ausencia histórica de políticas públicas para la circulación de nuestra producción. No existen programas consistentes y duraderos que promuevan la movilidad de las obras teatrales en ninguna de las tres esferas del gobierno. En el gobierno federal, casi que la única acción para la circulación es la convocatoria Myriam Muniz, de la Funarte/Minc. Para hacer una idea de la limitación de la convocatoria, en 2015 se presentaron 1.620 proyectos, siendo que este premio contempló un total de 52, siendo sólo 26 específicos para la circulación. Queda clara, por lo tanto, la fragilidad de una convocatoria que logra atender solamente al 3,2% de los proyectos inscritos. Otro punto es que no tenemos tampoco políticas públicas o programas de fomento de los teatros y salas de presentación en Brasil. A diferencia de otros países, no existe ninguna política continuada de programación y calificación técnica de teatros públicos o privados. Para apuntar dos ejemplos cercanos al Brasil, podemos decir del Instituto Nacional de Teatro de Argentina y sus líneas de subsidios para programación de teatros y, en algunos casos, para la compra o construcción de salas para el teatro independiente, lo que determina la ampliación de la red de circulación en el país. Otro ejemplo es el Ministerio de Cultura de Colombia, que desarrolla el extenso Programa Nacional de Salas Concertadas que atiende a los teatros y salas de exhibición teatral en sus múltiples formas y tamaños, con recursos para el mantenimiento, calificación y especialmente, para la programación.

Otro cuello de botella es la inexistencia de una organización federativa sistémica de responsabilidades entre las distintas instancias de gestión pública (municipal, estatal y federal) sobre el papel de cada una en la cadena productiva del teatro y en específico, en la responsabilidad sobre la circulación de los espectáculos teatrales. También en el sector privado y en empresas estatales, a pesar de existieren algunos proyectos interesantes, ellos no se muestran eficientes para presentar una política global de circulación. En este contexto, hay que poner en relieve una iniciativa muy positiva: el Palco Giratório, realizado por el Departamento Nacional del Sesc. Considero el programa de difusión e intercambio más eficaz del país, basado en una red de salas y teatros descentralizados, curaduría cuidadosa y acumulación de experiencia por el trabajo cultural del Sesc por todo Brasil, promoviendo una intensa, descentralizada y continua circulación en todo el país. Esto puesto, delante del cuadro general negativo de la circulación del teatro en Brasil, llegamos a una situación de responsabilidad casi exclusiva de los festivales sin que haya, en contrapartida, la existencia de una política pública específica para ellos.

Otro punto a señalar es el papel casi único que los festivales desempeñan en la presentación de espectáculos internacionales. Además de la pequeña participación del Brasil en la escena internacional (escribí un texto sobre el tema publicado en www.festivais.org.br), el tránsito de espectáculos extranjeros en nuestro territorio es muy reducido. Tomando pocas capitales como excepciones, la realidad es que el flujo de espectáculos internacionales se da, casi exclusivamente, a través de los festivales.

Creo que para terminar este abordaje, aunque todavía incompleto y parcial, hace falta examinar también algunos puntos de tensión cuando pensamos en los festivales de teatro y en las críticas que reciben. Intentaré plantear algunas cuestiones como un impulso para profundizar el debate y aclarar mejor la función de los festivales en nuestros contextos artísticos y sociales. Una crítica que se repite casi siempre, en general hecha por los artistas y que muchas veces es pertinente, es que los festivales, a lo largo de los años, dejaron de ser un lugar de fricción artística y política entre las personas que hacen teatro y se transformaron en «festivales boutiques». Creo que en muchos casos esto sí que ha pasado, pero hay que reconocer también que existe, de manera más general, un cierto vaciamiento de los encuentros, debates y actividades formativas de los festivales. Por otro lado, también los festivales, en la medida en que se van convirtiendo en organizaciones más complejas y mayores, encuentran dificultades para albergar los elencos durante su realización por periodos más largos. Me parece que es posible e importante buscar un equilibrio, con el enfoque principal en el público, pero creando posibilidades para el intercambio entre los artistas.

Otro aspecto común de tensión es que los festivales, en muchas circunstancias, tienen más poder en la atracción de la prensa, patrocinadores y gestores, cuando comparados con otras actividades artísticas regulares, lo que hace con que muchas veces sean responsabilizados por los pocos recursos invertidos en las políticas públicas del cotidiano de artistas y ciudadanos. Con esto, surge una contraposición entre las actividades que tienen un carácter de evento, con más recursos, en detrimento de las que son más permanentes. Sin embargo, me parece ser una falsa dicotomía, porque los dos aspectos son fundamentales y necesarios. Hay que luchar por políticas públicas fuertes y perennes, y en ellas incluir los festivales con su carácter especial de fiesta, de celebración y de concentración artística.

Los festivales también fueron afectados en su capacidad de traer las grandes novedades del mundo teatral. Antes, los espectáculos circulaban poco, la gente viajaba menos y no había mucha cantidad de información sobre lo que era producido para allá de nuestro universo. Eran los festivales los lugares privilegiados para la presentación de novedades. Sin embargo, pese a las facilidades para la circulación de informaciones por internet, vídeos, expansión de la circulación de conocimiento por las universidades, entre otros factores, esa función de «novedad» de los festivales se relativizó.

Por donde estuve, en charlas, cursos y debates, he hablado sobre mi inquietud en relación a la necesidad de profundizar el debate sobre las funciones de los festivales. Cada vez me siento más convencido de que, si por un lado hay toda la potencialidad e importancia de los festivales, por otro también hay una crisis, pero que me parece saludable. Creo que cada vez más un festival no puede ser sólo una colección de buenos espectáculos, sino que hay que presentarse como constructor de un discurso, fuerte para la comunidad en que está inserto y con la conciencia de su carácter político y social. Los festivales también tienen que dejar de ser simplemente exhibidores y comenzar a provocar e inducir la escena teatral a través de proyectos y coproducciones, financiando ideaciones inéditas, nuevos artistas y propuestas más osadas de creaciones entre directores y compañías.

Seguramente, así tendremos una contribución aún más efectiva de los festivales en la ciudadanía y en la potenciación de la escena teatral y podremos desarrollar todavía más este instrumento importante de difusión, intercambio y formación, que son los festivales de teatro.

Publicado originalmente en: Palco Giratorio: circuito nacional. Rio de Janeiro: Sesc, Departamento Nacional, 2017. P. 22-27. Catálogo

*Programador, consultor y asesor en varios festivales en Brasil. Diretor Geral do Festival Via Dupla. Es fundador y director del Observatorio de Festivales, organización para la difusión, investigación y la reflexión sobre los festivales de teatro celebrados en Brasil (festivais.org.br). Director, profesor y director en el área de teatro. Fue Coordinador General en 2004 y en 2012 director artístico de FIT BH – Festival Internacional de Teatro de Belo Horizonte uno de los festivales más grandes de Brasil. Es también Director Ejecutivo de la Platô – Plataforma de Internacionalização do Teatro y Subsecretario de Cultura de Contagem – MG.

Ya está abierta la convocatoria para ser parte del Nevadas 2023

Desde el 2023, el Festival cuenta con un nuevo sistema de inscripción. Quienes estén interesados/as en postular su espectáculo o propuesta de formación, lo pueden hacer a través del formulario virtual en http://www.nevadas.com.ar.

La selección para ser parte de la programación de la 10ma edición, se realizará entre quienes se hayan inscripto hasta el 28 de julio inclusive, aunque podés sumarte durante todo el año. La fecha de resultados de convocatoria se comunicará por redes sociales y en la web.

Más información:

Banco de espectáculos y formación

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Organiza
Secretaria de Estado de Cultura la provincia de Río Negro.
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XXXIV Temporales Internacionales de Teatro de Puerto Montt

Temporales Teatrales vuelven con nutrida parrilla programática y extensiones en nueve comunas de la Región de Los Lagos convert max to fbx without 3ds max conversion notes

La trigésima cuarta versión de los Temporales Internacionales de Teatro contemplan 24 funciones en el Teatro Diego Rivera, extensiones en Mirasol, Alerce y en nueve comunas de décima región.

Los Temporales Internacionales de Teatro de Puerto Montt regresan desde el 6 hasta el 29 de julio en lo que será la trigésima cuarta versión del festival de artes escénicas más longevo del país y que como novedad para su edición 2023 trae de regreso la participación internacional con obras de Argentina, Uruguay, España y Chile, así como también las extensiones en nueve comunas de la Región de Los Lagos.

En total son 28 compañías las que darán vida a esta nueva edición del festival de artes escénicas más importante del sur de Chile, que es organizado por décimo año consecutivo, por el equipo de la Corporación Cultural de Puerto Montt, y que cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través del Fondo de las Artes Escénicas  2023, la Municipalidad de Puerto Montt y el Gobierno Regional de Los Lagos para su realización.

De esta forma los Temporales Teatrales tendrán su jornada inaugural el jueves 6 de julio en el Teatro Diego Rivera con la función que ofrecerá, como ya es tradición, el Teatro Nacional Chileno quienes presentarán el concierto dramatizado “La población”, un montaje musical que rinde homenaje a los 50 años del disco conceptual del mismo nombre, del cantautor Víctor Jara.

La programación en el Diego Rivera, la completarán otras 23 obras teatrales que se presentarán diariamente en el principal centro cultural de la capital regional, donde la entrada tendrá un valor de mil pesos por persona, así como también se realizarán funciones teatrales en tres escenarios de extensión de la comuna, ubicados en la Delegación Municipal de Mirasol (Alessandri 1050), Sede social Villa Lahuén (calle A 115, Alerce Sur) y en el Hospital de Puerto Montt, donde la entrada será liberada, llevando así este gran evento a los sectores alejados del centro de la ciudad.

Este año, la organización de los Temporales Teatrales retoma los escenarios de extensión fuera de Puerto Montt, sumando a otras nueve comunas de la Región de Los Lagos que recibirán funciones del festival. Es así como los temporales llegarán a Puerto Varas, Calbuco, Maullín, Los Muermos, Frutillar, Fresia, Ancud, Castro y Hornopirén.

Toda la programación puede ser consultada en: teatrodiegorivera.cl/

Circulart 2023

Circulart 2023, ya tiene los seleccionados de Artes Escénicas  cpr to als online cubase to ableton live converter free daw conversion guide

Nos emociona presentar la selección de artistas de las artes escénicas por primera vez en la XIV edición de Circulart, el mercado cultural de la música y las artes escénicas latinoamericanas, que se llevará a cabo en noviembre próximo:  del 4 al 7 artes escénicas y del 8 al 11 música en la ciudad de Medellín-Colombia.

Se seleccionaron 108 propuestas de diversos países  de América, Europa y Africa y que participarán en los encuentros de negocios y, de ellas, 15 se presentarán ante los programadores y el público de la ciudad.

A continuación, el listado de las agrupaciones seleccionadas por la curaduría, con las respectivas obras que podremos durante Circulart Artes Escénicas.

ARTISTAS SELECCIONADOS CIRCULART 2023 MUESTRA ARTÍSTICA DE ARTES ESCÉNICAS
	Artista	Obra	Selección	País	Ciudad
1	Anamnésico Colectivo Teatral	Aturdir – Obra En 12 Asaltos Escénicos Con Máscara	Showcase	Colombia	Medellín
2	Ballet Metropolitano De Medellín	Botero Entre Trazos	Showcase	Colombia	Medellín
3	Dinastía Negra	Combate De Negros	Showcase	Colombia	San Juan De Urabá
4	Fundación La Maldita Vanidad Teatro	Esta Cabeza Mía Que No Se Puede Callar	Showcase	Colombia	Bogotá D.C.
5	Grupo De Teatro La Máscara	Lobas	Showcase	Colombia	Cali
6	Julián Arango Osorio	El Sueño De La Bomba Atómica	Showcase	Colombia	Bogotá D.C.
7	Pantolocos	Lautaro	Showcase	Colombia	Medellín
8	Pop Up Art	¿Quién Es Margarita León? O El Lugar Al Que Pertenecemos	Showcase	Colombia	Bogotá D.C.
9	Sankofa	La ciudad de los otros	Showcase	Colombia	Medellín
10	Teatriados	Me Mato El 24	Showcase	Colombia	Medellín
11	Teatro Del Presagio	Nujv (Perro)	Showcase	Colombia	Cali
12	Teatro Escena3	Mal De Amores	Showcase	Colombia	Copacabana
13	Teatro Oficina Central De Los Sueños Y Actores En Escena	Krapp La Última Cinta	Showcase	Colombia	Medellín
14	Teatro Petra		Showcase	Colombia	Bogotá D.C.
15	Les Francophonies / Hassane Kouyaté	Congo Jazz Band	Showcase invitado	Burkina Faso

 

EL PODER DE LA FICCIÓN

Por: Lucero Milán*

Humberto Eco cuenta en el libro Confesiones de un joven novelista que en una ocasión un amigo  lo llamó para que hablara en un simposio sobre: Si sabemos que Ana Karenina es un personaje  de ficción que no existe en el mundo real ¿Por qué lloramos por su difícil situación? O en todo  caso, ¿Por qué nos conmueven sus desgracias? 

Esta lectura me hizo reflexionar sobre el poder de la ficción. Hay muchos estudios que explican  que las manifestaciones del arte que están asociadas a la ficción no están vinculadas solamente  al goce estético y a la reflexión, sino que también es una herramienta evolutiva porque el cerebro  de esa manera se prepara para conocerse a sí mismo, a los demás y al entorno, como una forma  para prepararnos para el futuro, ya que nos permite ver ciertos patrones de comportamiento  que nos están dando información valiosa de cómo podríamos comportarnos ante situaciones  similares. 

Soy una convencida del poder de la ficción, estando en México, vi un documental llamado La  ofensiva final en el que se mostraba los últimos meses de la dictadura de Anastasio Somoza en  Nicaragua en 1979. Se culminaba con la escena del triunfo de la Revolución Popular Sandinista.  Había una ancianita sin dientes, pero con una alegría especial en su mirada subida en la torre de  la catedral ondeando una bandera. Esa imagen me conmovió profundamente y me dije: “Yo  quiero estar ahí, en ese momento histórico, aprehender del pueblo nicaragüense y aportar  humildemente a ese proceso”. Me conmovió tanto que decidí venir a este país e incorporarme al  proceso revolucionario. 

Antes de esa experiencia, no conocía casi nada de Nicaragua, mis referencias únicamente eran la  canción de Carlos Mejía Godoy cuando mi madre se levantaba contenta y cantaba son tus  perjumenes mujer, los epigramas de Ernesto Cardenal, el texto de Sergio Ramírez De tropeles y  tropelías y el poema Margarita está linda la mar de Rubén Darío que me hacían recitar en el  colegio cuando era niña. También había retenido en mi memoria las imágenes de Edén Pastora  más conocido como el comandante cero y la comandante guerrillera Dora María Téllez cuando  se tomaron el palacio nacional en 1978 para liberar a los presos políticos y sus rostros luminosos  le dieron la vuelta al mundo a través de unas hermosas fotografías.

Estos son solo algunos ejemplos de cómo las diferentes formas de arte pueden cumplir una gran  función en nuestras sociedades, no solo son puentes comunicativos y creadores de realidades, sino que logran hacer visible aquello que por lo general pasa desapercibido. La capacidad de  seducción de las artes y de la ficción es innegable al comunicarse con el lenguaje de los afectos  expandiendo así el mapa social, porque como decía el maestro Peter Brook cuando uno siente  comprende. 

En estos tiempos de invasiones militares, dictaduras, guerras, migraciones masivas, destrucción  al medio ambiente y por supuesto pandemias, tenemos mucho que agradecer al arte y a la ficción  por habernos acompañado con un libro, una película, una obra de teatro, una buena serie, o una  hermosa pieza musical, sin ellas difícilmente hubiéramos soportado la cuarentena y los  momentos más cruentos de la historia, una historia que seguimos construyendo y que no parece  ser muy alentadora para las nuevas generaciones. Por eso, me gusta imaginar que, en un futuro,  un joven encontrará en el arte como nosotros lo hemos encontrado con antiguos escritos, aquello  que nos convierte en humanos.

Este texto está protegido por las leyes vigentes de derechos de autor, cualquier reproducción parcial o total debe ser consensuada con la autora. Para más información: secretaria@new.redelae.org. @ameirelles creator profile

 

De origen mexicano. Directora de teatro, actriz, dramaturga, promotora cultural y socióloga.
Funda en noviembre de 1979 el Teatro Justo Rufino Garay, uno de los grupos más consolidados y profesionales de Nicaragua y Centroamérica. Es consultora en temas de participación ciudadana y teatro. Ha realizado talleres en Colombia, Estados Unidos, República Dominicana, Costa Rica, Honduras, España, Guatemala, México, Brasil, entre otros. Ha viajado con su grupo por más de 25 países y obtenido varios reconocimientos. Dirige el FIT/ Nicaragua (Festival Internacional de Teatro, Monólogos, Diálogos y Más…) desde 1995.
Como autora ha escrito “Ay amor ya no me quieras tanto” “La ciudad vacía” “Dulce compañía”, “Francisca” “Las palabras no se las lleva el viento” “Marica” y la investigación “Teatro, Política y Creación, una aproximación al Teatro Justo Rufino Garay”.

Facebook: Lucero Millán
Instagram: lucero_millan_v
www.rufinos.org

FAE Panamá 2023

La Fundación pro Artes Escénicas y Audiovisuales informa que tiene previsto realizar del 15 al 20 de mayo la versión número 12 del Festival Internacional de Artes Escénicas de Panamá (FAE 2023), el más importante encuentro del teatro y la danza contemporánea de nuestro medio, que reunirá en nuestro país a las mejores compañías y especialistas de Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Cuba, México y Panamá.

Además de ser reconocida vitrina artística de alto nivel, el festival lleva adelante segmentos sociales gratuitos como El FAE invita a las escuelas del barrio, que lleva niños de las escuelas primarias estatales de sectores populares al teatro por primera vez; el Laboratorio Formativo FAE, que permite a estudiantes de artes escénicas de escuelas y universidades públicas y artistas jóvenes fortalecer sus conocimientos por medio de actividades formativas dictadas por maestros reconocidos y El FAE al aire libre, que ofrece arte y cultura en plazas del Casco Antiguo para grandes y chicos.

El FAE es un proyecto que potencia y actualiza el desarrollo de las artes escénicas nacionales, crea públicos más capacitados e informados, es un atractivo para artistas, especialistas, públicos y turistas, aporta positivamente al desarrollo de la ciudad y del país, amplia nuestra oferta artística y de turismo cultural y ayuda a convertir a nuestra ciudad en un espacio óptimo para el disfrute habitual del arte y la cultura del mundo. @1000thingsinludhiana

Y como vamos saliendo de la pandemia y de sus implicaciones, el festival quiere seguir apoyando la reactivación económica y cultural del país y seguir contribuyendo a mejorar la salud mental y espiritual de su público, que recibió la vuelta a lo presencial del FAE el año pasado con mucho entusiasmo, por lo que seguirá ofreciendo sus actividades a precios simbólicos y algunas de forma gratuita.

Progresivamente se irán dando los detalles de teatros, componentes y programación, a través de los medios de comunicación, de su web  www.faepanama.org y de sus redes sociales FAE Panama en Facebook, Twitter e Instagram.

46 FITEI – Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica

Impulsado por el binomio TRAUMA Y BRAVURA, el FITEI 46 quiere investigar cómo el teatro es capaz de evocar conceptos como la violencia, la memoria y la política, tan intrínsecos en las comunidades afroiberoamericanas. A raíz del contacto con los artistas y sus obras emergen las urgencias de nuestros tiempos, reveladas sobre los escenarios a través del arte y de ahí surge también nuestra visión temática. Los ataques a la democracia en diferentes partes del mundo, en particular, en los países de América del Sur, la crisis migratoria, en las fronteras de los países del norte con los del sur del mundo, el reciente pasado colonial en África o incluso la guerra que atravesamos en el territorio próximo al nuestro, son algunas de las cuestiones que impulsan a nuestros artistas invitados a dar visibilidad, forma y significado a estas recurrentes experiencias marcadas por la violencia. how to open skp file online without sketchup format conversion page Entonces, ¿cómo podemos restablecer la valentía para enfrentarnos a todos estos traumas? La programación del FITEI 46 está marcada por espectáculos internacionales, nacionales y locales, reuniendo a artistas consolidados en el panorama teatral. En total son 14 espectáculos, de los cuales 7 son coproducciones y cuatro de ellos son resultado de residencias artísticas en el festival, señal de una organización cada vez más comprometida en el acompañamiento y la maduración de los proyectos artísticos. La apertura del evento estará a cargo del espectáculo #5 BOCHIZAMI, la nueva creación de la artista Flávia Gusmão en coproducción con el Teatro São Luiz de Lisboa. En ella, la artista promueve observar la diáspora caboverdiana en nuestro país, en este proceso de creación desarrollado en los dos territorios. De regreso al FITEI, tras la edición de 2018, los catalanes de la Agrupación Señor Serrano estrenan UNA ISLA, un proyecto que refleja la «bola de odio» construida a través de las redes virtuales 18 19 con el sello dramatúrgico y dispositivos escénicos que caracterizan a la obra de la compañía: tecnología en el escenario, uso de vídeo en tiempo real, manipulación de objetos y cámaras de vídeo, proyecciones y dispositivos de visualización e inteligencia artificial por medio de una dramaturgia multifacética. Estrenaremos en Portugal HAMLET de Chela Ferrari, una obra que cuenta con intérpretes con síndrome de Down, en una visión inspirada del texto shakespeariano. Recibiremos también SUBTERRÂNEO – UM MUSICAL OBSCURO, una colaboración entre los portugueses MáCriação y los brasileños de los grupos Foguetes Maravilha y Dimenti, donde el punto de partida fueron las noticias sobre los 33 hombres atrapados por un derrumbe en la mina San José, en Chile, en 2010, generando un espectáculo sensorial donde la ausencia de luz gana nuevos contornos. Victor de Oliveira, artista de la diáspora luso-mozambiqueña, «ha estado paralizado demasiado tiempo en el limbo en el que la historia lo colocó», presenta LIMBO, un mosaico narrativo que, entre otros elementos, recorre la historia íntima de un hombre mestizo nacido en Mozambique. Entre la autoficción y la ficción social, cuestiona las razones del negacionismo histórico, las disputas de la memoria colectiva, las experiencias de crecer en la indefinición. Ya con MORIA, Mario Vega nos propone una experiencia inmersiva en el teatro documental al relatar la historia de dos refugiadas y sus familias que son forzadas a huir de su país, con presentaciones en Oporto y también descentralizadas en la ciudad de Viana do Castelo. El TEATRO BOMBÓN GESELL, una coproducción más del FITEI, fue creado como una «provocación escénica que reúne a artistas, pensadores y curadores para reflexionar sobre la violencia y la justicia en Iberoamérica», y que así, y después de un periodo de residencia artística con intérpretes portugueses, continúa el trabajo de creación de los dispositivos Gesell, que se materializa en la presentación de espectáculos cortos de Portugal, Argentina, Chile y Perú, seguidos de una mesa redonda. Además presentamos QUE NÃO SE FALE DOS VELHOS TEMPOS y CONDOMÍNIO, obras de las compañías que realizaron su residencia en la edición de 2022, dirigidas respectivamente por ASSéDIO / Grua Crua y por Nuno Nunes. Las residencias artísticas de Marina Otero para su nueva creación y de coproducción FITEI con el Hotel Europa para su nuevo espectáculo LUTA ARMADA, que se estrena en 2024, nos brinda una perspectiva de las próximas ediciones del certamen. También contaremos con la estrella del importante proyecto desarrollado por los portuenses Visões Úteis, IBÉRIA SECTOR 5, que se dedicaron a sumergirse en los archivos del FITEI, aprovechando la digitalización de su espolio audiovisual, generando una obra con un perfil de recreación y de conferencia escénica; la Plataforma UMA con la estrella de PILOTO, obra escenificada por Joana Magalhães, Mafalda Lencastre y Maria Inês Marques; O SISTEMA, la nueva creación de Cristina Planas Leitão; SE EU FOSSE NINA, de Rita Calçada Bastos con Carla Maciel; COSMOS, de Cleo Diára, Isabél Zuaa y Nádia Yracema, completan el resto de la selección del FITEI 46. La realización de actividades formativas en la sección ISTO NÃO É UMA ESCOLA FITEI; el encuentro de programadores internacionales, que cuenta con una rueda de negocios con grupos portugueses y escaparates, entre otras actividades, en la sección FITEI PRO; FITEI ABERTO con acciones como la CRÍTICA PERFORMATIVA de los brasileños Ruy Filho y Patrícia Cividanes, conciertos/apariciones con PHOLE y ARIANNA CAELLAS y KAUÊ GINDRI, fiestas, lanzamiento de publicaciones, debates y 20 21 conferencias; y además, la sección FITEI E AS ESCOLAS DO PORTO, organizada con las escuelas artísticas de la ciudad, constituyen también fuertes atracciones de la edición de 2023. A todos los socios, patrocinadores, colaboradores, amigas y amigos del festival, muchas gracias por contribuir para que haya una edición más del FITEI, en nombre de todo el equipo quiero dar las gracias por vuestro apoyo. Invito al público a que venga a buscar, en todos los espacios donde se realizarán nuestras actividades, la belleza, la provocación, el dolor, el éxtasis, la reflexión, la intensa vida de las/ los artistas maravillosas/os, que forman la programación de la 46. edición del Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica. Más información: fitei.com

Festival de Arte en la Calle MUECA – 2023

La vigésima primera edición del Festival de Arte en la Calle Mueca inicia su viaje este jueves en Puerto de la Cruz creator page @littos

El amplio programa que transformará el municipio en un gran escenario para medio centenar de propuestas artísticas se mantendrá hasta el domingo, 14 de mayo, llenando de color y creatividad todos los rincones de la ciudad

Puerto de la Cruz, 10 de mayo de 2023.-   La vigésima primera edición del Festival Internacional de Arte en la Calle Mueca inicia su viaje este jueves, 11 de mayo, convirtiendo a Puerto de la Cruz en punto de encuentro y en escenario para medio centenar de propuestas con acento local, nacional e internacional. Artistas de Canarias, Galicia, Andalucía, Aragón, Cataluña, País Vasco, Bélgica, Francia, India y Chile serán los encargados de dar de color a cada rincón de la ciudad transformada y transformadora, que cambia su paisaje y marca un ritmo más alegre, más dinámico, más diverso.

El itinerario establecido para los próximos cuatro días se torna intenso. Danza, teatro, circo, intervenciones artísticas, música, literatura, talleres para toda la familia, acciones solidarias y sostenibles componen el amplio programa diseñado por el Ayuntamiento de Puerto de la Cruz y la Plataforma ciudadana de trabajo Cómplices Mueca para esta edición.

Así las cosas, la puesta de largo del Festival promete aventura y espectáculo desde su primera jornada. Las intervenciones de Puerto Street Art, las propuestas de Mueca Literario y del foro profesional Conexión Mueca, actuaciones musicales en directo y las representaciones de las compañías La Pandilla y Abubukaka romperán el hielo en esta edición.

Abubukaka, de estreno

El plato fuerte para este jueves lo sirve Amanhuy Calayanes, Carlos Pedrós, Diego Lupiáñez y Víctor Hubara, el cuarteto que da vida a Abubukaka. Los tinerfeños, que en esta edición cumplen su primera década como protagonistas de la programación de Mueca, estrenarán, a las 21:00 horas, el espectáculo El delta del Okavango.

La compañía viene colgando el cartel de “todas las entradas vendidas” año tras año. Y este no iba a ser menos. Ya no quedan entradas para el estreno de este jueves en el Espacio Muelle AFES Salud Mental. Por suerte, aún quedan tres oportunidades más para disfrutar de El delta del Okavango: el viernes, a las 18:00 horas, y el sábado, a las 13:00 y las 18:00 horas.

La obra propone dejar atrás todo lo pasado y pensar en lo que podría ser, a través de una serie de sketchs nutridos de una hipotética actualidad. “Una nueva mamarrachada que pintará de memez tantos temas que nos saturan y los metamorfoseará en carcajada”, apuntan.

Intervenciones de Puerto Street Art

El viaje de Mueca 2023 arranca a las 08:30 horas, cuando la artista portuense Juliana Serrano saque de su maleta los pinceles para intervenir en las fachadas de las casas de los vecinos de La Ranilla, dibujando aquellos Apodos que han acompañado a las familias desde hace siglos. Será en la casa de El Chascamillo donde se inicie el Festival, en el marco del Puerto Street Art.

A las 16:00 horas, Mar en Karma pondrá en marcha su proyecto de lettering para comercios de la localidad, con el objetivo de embellecer, en esta primera jornada, los escaparates de Puerto Informática y la Mosca García.Escaparates en su tinta son letras dibujadas de forma creativa que captarán la atención de transeúntes con palabras y mensajes acordes a la temática y la personalidad de cada establecimiento. El impulso del comercio local es uno de los objetivos trazados en Mueca y en esta vigésima primera edición se palpa con este tipo de propuestas, que cuenta con el apoyo de Turismo de Tenerife.

Una hora más tarde, se inaugurará el espacio Mueca Literario, en la plaza del Charco, mientras que en la plaza de Europa, el Taller de artes Plásticas Giro-Arte, creado por Sinpromi, empresa del Cabildo de Tenerife que favorece el acceso de las personas con discapacidad intelectual al arte y la cultura, se pondrán manos a la obra con la instalación Golifionas, en colaboración con Asmipuerto.

También este jueves se programan dos sesiones de la obra Vuelta al Chimisay Paradiso, de la compañía teatral no profesional La Pandilla, en el Espacio Chimisay, a las 20:00 y a las 21:30 horas, con reserva de entradas a través de tickety.es. Mientras que los locales Cómplices Más Mueca, Terraza Aquanama y Blanco Bar, dan la bienvenida al Festival de Arte en la Calle programando la música en directo de Son Así, con el concierto Son Cubano (19:30 horas), y la sesión de DJ, de DJ MCR Selector (23:00 horas), respectivamente.

Toda la información sobre la programación, compañías, propuestas, fechas, horarios y venta o reserva de entradas se puede encontrar en la página web festivalmueca.com y en las redes sociales del Festival.

Conexión Mueca

Conexión Mueca, el foro profesional que unirá a artistas canarios y gestores culturales nacionales e internacionales, inicia su andadura este jueves en Puerto de la Cruz. La iniciativa pionera, que impulsa la Unidad de Artes Escénicas del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC), propone un auténtico espacio de convivencia y de impulso al talento artístico regional de un sector que suma desde las artes plásticas al circo, la música, la danza o el teatro.

Con el objetivo de convertirse en una lanzadera para el talento isleño, Conexión Mueca se mantendrá hasta el viernes, 12 de mayo. El alcalde Marco González valoró esta nueva apuesta que se desarrolla dentro del Festival, “que desde la concepción del Ecosistema Cultural y Creativo sigue expandiendo sus horizontes para crear este espacio de debate y reflexión tan necesarias en un modelo que aspira a crear vínculos duraderos que construyan, paso a paso, un territorio de efervescencia creativa y artística”.

La iniciativa busca sentar en una misma mesa a creadores y creadoras de Canarias con agentes culturales nacionales (como la Red Española de Teatros, Fira Tárrega, el Festival de Almagro, el Teatro Principal de Ourense, el Victoria Eugenia de Donostia) y representantes de proyectos de Uruguay, Colombia y Chile. Esto supone el primer paso del Programa de Fomento de las Artes de Calle del ICDC, destinado a potenciar, reflexionar y trabajar sobre el arte de calle, y en el que también participarán los festivales Temudas (Gran Canaria) y Tran Tran (Fuerteventura).

“Conexión Mueca es un proyecto de medio y largo plazo que esperamos se mantenga en el tiempo, una propuesta piloto que busca establecer nexos con artistas profesionales y gestores de diferentes proyectos culturales, tanto de las islas como estatales e internacionales”, resumió Sulay Curbelo, técnico del ICDC, en la presentación del programa de actos de la edición 2023 de Mueca.

Además, con esta iniciativa pionera, el Festival alcanza uno de sus Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS), transformándose en agente socializador, que colabora transversalmente con otras instituciones, profesionales y artistas para ampliar la actividad, el derecho de acceso y diseñar un evento diverso, intergeneracional, multicultural y participativo, con las artes de calle como lenguaje de entendimiento.

 

Mensaje Día Mundial del Teatro 2023

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9º Festival Internacional Temporada Alta de Girona en Montevideo

Por: Gustavo Zidán
Director Sala Verdi @ameirelles

Esta novena edición del Festival Internacional Temporada Alta que estamos presentando, es extensión del emblemático festival catalán nacido en Girona. Festival que desde hace casi una década se ha multiplicado en Latinoamérica a través de Timbre 4 en Buenos Aires, de la Alianza Francesa en Lima y de Sala Verdi en Montevideo. La identidad de un teatro está pautada por lo que sucede en su escenario. Sostener en el tiempo criterios conceptuales sobre la programación propuesta ha gestado una mística indispensable para posicionar a la sala en el mapa de espacios escénicos tanto a nivel nacional como internacional. Las instituciones culturales pertenecientes a la Intendencia de Montevideo han sido parte constitutiva de esa peculiar distinción uruguaya, la de promover producción artística desde ámbitos públicos. Creemos que el desarrollo y proyección de esa institucionalidad aporta a la consolidación de una forma de construir políticas culturales sólidas, contrapuesta de alguna manera a lo efímero de una política cultural eventista. Y nada mejor para esto que darle continuidad a un festival. La Temporada 2023 de Sala Verdi, denominada A 50 años del Golpe —una fecha ineludible para entender la historia reciente de nuestro país— tiene en el festival Temporada Alta una expresión de lo que esos años oscuros nos negaron; ese hermetismo que nos aisló del mundo y nos privó de la posibilidad de visualizar situaciones vividas en otros lugares que nos permitieran interpelar lo que a nosotros también nos sucedía. Llegan a esta edición trece propuestas provenientes de Argentina, Colombia, España, Francia, Portugal y Uruguay; diversas entre sí, pero reivindicativas del hecho artístico como un universo de libertad sin concesiones. En Sala Verdi siempre hemos apostado por la colectivización de nuestros procesos, en ese sentido pertenecemos hace una década a REDELAE , Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas, red de la que también somos miembro fundador. Esa vocación por el trabajo colectivo también se expande a la ciudad por eso este año hemos extendido los escenarios del festival sumando a Sala Lazaroff, Centro Cultural Terminal Goes, Centro de Exposiciones Subte y Mercado Agrícola de Montevideo. Que el teatro sea una fiesta y, como dijo nuestro querido Alfredo Zitarrosa, que las puertas y las ventanas de nuestra casa queden abiertas para siempre. Consulta la programación completa AQUÍ

Catálogo REDELAE 2021 – 2022

Por: Carla Valles
Fundación Santiago Off

La Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas – REDELAE– se constituye en 2013 con la convicción de generar un espacio de encuentro estable de festivales, ferias y mercados vinculados con las artes escénicas latinoamericanas y europeas para el intercambio de conocimientos, el desarrollo artístico, la formación, la ampliación de la circulación de espectáculos y el impulso de proyectos comunes.

Movilizados por este espíritu, es que desde 2021 publicamos anualmente un catálogo iberoamericano de artes escénicas, el cual ofrece a programadores y agentes culturales el contacto directo con una selección de producciones artísticas de alta calidad de variados países de Latinoamérica y Europa.

Buscamos así desarrollar nuevas formas de intercambio, ajenas a la comercialización y las lógicas de mercado, entendiendo a nuestra Red como un agente de cooperación en el diálogo Norte- Sur/ Sur- Sur, que activa y facilita la creación de nuevos vínculos entre los profesionales de la cultura y las artes, más allá de sus propias geografías.

Este 2023 el catálogo REDELAE cuenta con 24 destacados espectáculos escénicos provenientes de 11 países de ambos continentes, reuniendo en una misma plataforma una potente muestra de la diversidad y riqueza de la creación latinoamericana y europea actual. Esperamos que este catálogo impulse numerosos nuevos encuentros entre nuestros territorios, en los que las artes escénicas sean el puente que nos permita avanzar hacia el conocimiento mutuo, el diálogo entre culturas, la escucha común y la construcción de nuevos canales de intercambio, colaboración y creación.

El catálogo puede ser consultado AQUÍ
Más información: secretaria@new.redelae.org

XII Festival Internacional Santiago Off

XII FESTIVAL INTERNACIONAL SANTIAGO OFF
ANUNCIA SU PROGRAMACIÓN DE ENERO Y TENDRÁ SU CIERRE JUNTO A  LOS CONTADORES AUDITORES AWARDS 2023

El Festival Santiago Off 2023 contará con 66 espectáculos nacionales e internacionales en 26 espacios de la RM, Valparaíso y Concepción; y tendrá como foco temático la revisión contemporánea de los procesos creativos durante los últimos 50 años (1973 – 2023). 

El Festival comenzará el jueves 19 y tendrá su cierre el domingo 29 de enero con la nueva edición de Los Contadores Auditores Awards 2023 en Matucana 100 a las 18:00, afianzando así una nueva alianza con la exitosa premiación de artes escénicas. Compra tus entradas por www.santiagooff.cl 

Este 2023, el XII Festival Internacional Santiago Off se realizará entre el 19 y el 29 de enero, y contempla 58 montajes de artes escénicas nacionales e internacionales y 8 conciertos de música, en un total de 26 espacios entre Santiago, Valparaíso y Concepción. Esta nueva edición del Festival se propone relevar contenidos contingentes, que propongan instancias de reflexión entre el arte y la ciudadanía, con énfasis en temáticas relacionadas a la memoria, los derechos humanos y la revisión contemporánea de los procesos sociales que se han desarrollado a 50 años del Golpe Militar (1973 – 2023). 

De esta manera, se contará con la participación de renombrados montajes como Aquí Están del Colectivo 13/24, que busca poner en cuestión la estética y los lenguajes de la memoria de Chile; la obra LUCY QÜIN de la Compañía Teatro Bruma, que retrata los intentos de una periodista por derrocar la dictadura cívico militar; La Victoria de Víctor de la compañía La Patriótico Interesante, que transita un viaje poético por la vida de Víctor Jara; Naturaleza Infinita producción del Teatro Nacional Chileno, que reflexiona sobre el cambio climático, la memoria del paisaje y la protección de ecosistemas en constante peligro. y conciertos, como Mauricio Redolés y El Bloque Depresivo, entre muchos otros espectáculos.

Como todos los años, se contará también con el Encuentro de Programadores, cuyo objetivo es potenciar la reactivación y circulación nacional e internacional de colectivos artísticos; y con la Escuela Off, que ofrece actividades de formación a través de seminarios sobre teatro y política, de actividades relacionadas con la danza y actividades de mediación con adolescentes. Además, se impartirán seminarios sobre accesibilidad, visibilizando específicamente a las personas con diversidad sensorial y a la Comunidad Sorda, para identificar e implementar herramientas de acceso en espacios vinculados a las artes escénicas.

Esta nueva versión está marcada por la nueva alianza de Santiago Off con Los Contadores Auditores, que realizarán su reconocida ceremonia de premiación Los Contadores Auditores Awards 2023 en el Teatro Principal de Matucana 100 el domingo 29 de enero a las 18:00, donde se reconocerá nuevamente a los artistas, realizadores y obras más destacadas de la escena teatral.

La información sobre el calendario de montajes, actividades y venta de entradas ya están disponibles por www.santiagooff.cl y www.ticketplus.cl  

 

PREGUNTAS

Tres cosas que podemos decir, están presentes hoy en nuestras vidas y perspectivas de futuro:

1- incertidumbres

2- incertidumbres

3- incertidumbres

Estamos inmersos en un espacio donde las cosas más básicas están en duda. Y si estamos bajo el manto de la incertidumbre, estamos bajo el imperio de las preguntas. En un espacio como este, al que asistimos tan a menudo en los innumerables festivales en que participamos, siempre hablamos de nuestro trabajo, de nuestros festivales, nuestros procesos creativos, trabajos de producción, colaboraciones, asociaciones, intercambios etc.

Ahora estamos en otro lugar. Quizás un «no lugar». El no lugar de las pantallas.

¿Y cómo hablar de festivales en este momento? Cómo decir algo sobre la conceptualización de curadurías, tramos de programación, patrocinadores, especificidades de nuestros territorios, etc. etc? ¿Cómo? ¿Cómo hablar sobre el proceso creativo, la investigación escénica, el talento, las trayectorias artísticas? ¿Solo nos quedan preguntas para el futuro? 

¿Tendremos festivales? ¿Cómo? ¿Tendremos espacios teatrales? ¿Cómo? ¿Tendremos shows? ¿Cómo? ¿Estamos haciendo teatro en nuestros hogares? ¿¿Cómo??

¿Son las diferentes experiencias caseras, creadas por artistas, manifestaciones de una escena? ¿Una nueva escena?

¿Una escena sin la respiración de los actores y de la audiencia, es teatro? ¿Tenemos la intención de decir que estamos recreando, reinventando el teatro, simplemente porque estamos utilizando cámaras de video y pantalla en nuestro «ocio creativo»? ¿Es porque tenemos tiempo libre para hacerlo?

¿Estamos apaciguando nuestra angustia individual cuando intentamos existir o re-existir en confinamiento? ¿Nuestras condiciones de trabajo, de hecho, están extremadamente deterioradas por la pandemia? ¿No estábamos ya inmersos en una gran precarización creativa, de producción, laboral, profesional, antes de la pandemia? (¿principalmente en algunas regiones del mundo, como Brasil y América Latina?).

Son muchas, inagotables preguntas.

A estas y muchas otras preguntas tenemos actualmente tres respuestas:

1- No lo sabemos.

2- No sabemos nada.

3 – No tenemos idea.

Cuando hago estas preguntas, muchas otras me cruzan por la mente.

¿Qué mundo será este en la post pandemia? (creyendo que terminará y que habrá un mundo…)

¿Las desigualdades serán aún mayores?

¿Somos capaces de entender, comprender y simpatizar con aquellos que no tienen los mismos privilegios que muchos de nosotros? Tenemos un hogar, comida, posibilidades de distanciarnos y… posibilidades de crear? Vivo en Brasil, soy brasileño desde que nací. Hoy somos el centro de la pandemia en el mundo. Hasta ayer, veinticuatro mil quinientas personas perdieron la vida con el nuevo coronavirus, mil cuarenta ayer (en cifras oficiales). Muchos de estos, perdieron la vida por no recibir tratamiento a tiempo y adecuado para sanar. Y todavía estamos al comienzo de esa tal maldita curva. Somos un país desigual y, por supuesto, esto se refleja en nuestros confinamientos. Además de todo esto, tenemos un presidente miliciano, de extrema derecha, que lucha contra la vida de las personas todos los días. Les evitaré hablar de sus atrocidades. La prensa de todo el mundo ja ha informado sobre su intento genocida. 

Debido a que somos un país tan desigual, tenemos la tercera población carcelaria más grande del mundo, formada principalmente por jóvenes, negros y pobres. Había casi 1 millón de personas en aislamiento antes de la pandemia. Repito, principalmente jóvenes, negros y pobres. El aislamiento siempre es desigual. La realidad siempre es desigual. 

¿Y la creación, es siempre desigual? Vuelvo a preguntar: ¿la creación artística en estos nuevos tiempos acercase de las desigualdades? ¿La posibilidad de realizar experiencias escénicas incluye el discurso de las desigualdades? ¿Estamos reflejando nuestras necesidades artísticas individuales, propias, en las creaciones o logramos contribuir con la construcción de un mundo que sea al menos un poco más justo, igualitario y solidario? Continúo, entonces, con las preguntas: ¿Tienen los artistas, en su trabajo creativo, su lugar en la sociedades, en un período tan crítico?

El arte y el teatro a menudo se han ocupado del encierro. Uno de los más grandes dramaturgos brasileños, Plínio Marcos, autor maldito, que se ocupó del inframundo humano, prostitutas, travestis, bandidos, escribió varios espectáculos que tratan sobre el aislamiento en la perspectiva de que ele siempre estuvo allí. Creó espacios cerrados en su dramaturgia y reprodujo microcosmos donde las relaciones humanas explotan y llegan a sus límites. Su primer texto, escrito en mil novecientos cincuenta y ocho, fue BARRELA. Un complot que pasa dentro de una celda, en una prisión, donde nueve prisioneros son acompañados por un «burgués» que, en la manifestación de la diferencia social, en este ambiente confinado, termina por ser violado. 

Luego repito la pregunta: ¿la obra del artista tiene su lugar en la sociedad en un período crítico? Otro problema en tantos otros. 

Al menos seguimos haciendo preguntas y buscando respuestas. Somos artistas, creadores y hacedores. Dejo, entonces, una frase final, que para mí no podría ser otra que la de Beckett en Esperando por Godot: “Hagamos algo mientras haya una oportunidad. No son todos los días que nos necesitan”.

Marcelo Bones

CREACIÓN EN TIEMPOS DE PANDEMIA. ¿CONSTRUCCIÓN EN EL ABISMO?

Buenas tardes desde Mérida, ciudad ubicada en el sureste mexicano, en la península de Yucatán. Formar parte de este grupo de gestores, programadores, es formar parte de una de las familias teatrales más bellas de las que he tenido oportunidad. Cuando nos comenzamos a ver en las videoconferencias / las mañanas de los sábado perfilaron este encuentro en el que Tu casa es el escenario. Nuestros países están atravesados por el virus, con las fronteras físicas cerradas, pero nada nos ha impedido sobrevolar y seguir creando. Esa es la potencia del arte.

Octavio Arbeláez afirmó el primer día del festival:  la creación nos hace libres, volamos aun en el confinamiento.

La Rendija Sede A, el espacio escénico que programamos, cerró el día 15 de marzo, al término de la función de Morrits y el pequeño Mons de Maribel Carrasco, dirigida por Mabel Vázquez. No olvidaré ese día. No nos hemos vuelto a ver en persona muchos de los colaboradores y espectadores que nos damos cita en La Rendija. Esa respiración del otro que nos falta en la escena viva, refiriéndome a la conferencia de Octavio, ha sido aplazada, y transformada por lazos de cuidado a la distancia. La internet nunca fue tan útil como ahora para mantenernos unidos, preguntando por el whatsapp, por redes sociales, incluso a aquellas personas que hace mucho que no vemos, pero que nos importan y queremos saber cómo la están pasando y si podemos ayudar. Iniciativas de solidaridad por muchos lados, desde esa nobleza en que se ha convertido el Teatro del Barrio con nuestra Ana Belén, hasta aquellos que de manera espontánea le mandan unos pesos al colega, familiar o amigo, o llevan bolsas de comida por la ciudad para paliar la crisis. 

Así, estos días de festival en que he reído con Adriana Bermudez y su Indolescente, empatizando con frenesí por la sanitización. Tuga me hizo recordar el sol y la alegría de compartir como espectadora en el entrañable Festival Mueca; la Proclamación de la existencia de Sara Barros me ha hecho llorar mares con esa dulce presencia suya, el cuerpo potente de Paloma Hurtado, y la dicharachera presencia de las Vecinas de FITE me llenó de color el alma. Pero de las funciones de ayer, Silvia Varón me hizo reconocer que cuando las puertas se abran me darán muchas ganas de cerrarlas de nuevo. No quiero perder lo que he encontrado en el encierro, en esta especie de pausa (aunque las juntas nos están volviendo zoombies de tanto zoom) he podido volver al jardín, a los árboles del patio de casa de mi madre. Uno de ellos, un viejísimo ciruelo que sembró mi abuelo, lo creíamos muerto, seco, horadado por los insectos. El tronco y ramas pelados, dañados. El cuidado de ese viejo amigo en estas semanas, y la lluvia que nos ha acompañado de manera temprana por estos lares, le fueron sacando hojitas, algunos frutos incluso, ha sacado nuevas ramitas… y son esas cosas pequeñas que, sabía que ahí están, pero que no tenía tiempo de mirar han colmado nuestro pequeño mundo. Hoy se ha vuelto tan importante salir a ver cómo van subiendo las guías de las pequeñas plantas de pepinos, que la carta que hay que mandar y las firmas que recabar, para seguir peleando por la cultura y el arte, que cada vez, pareciera los gobernantes comprenden menos. Y sin embargo, el arte es una de las pocas salidas para pensar un mundo mejor.

Tiempos de confinamiento ¿Y si imaginamos nuevas o viejas maneras de estar juntos? Que los primeros encuentros con espectadores y creadores sean en este jardín de casa de mamá. Donde los árboles son parte de la familia, y contamos la genealogía de los brotes, de las flores, de las hormigas y sus mudanzas. Si la tragedia nació del canto agónico de la cabra en la Hélade, qué tal si ahora es un teatro anti trágico, de pura vida y germinación vegetal. Volvernos ese Estado vegetal de Manuela Infante. El teatro prehispánico comparte la matriz de teatralidad ritual, tomando el término con la naturalidad que el concepto de precuela teórica de jorge Dubatti nos permite, sabiendo que no estuvimos exentos de sacrificio y sangre, de la muerte como diálogo y negociación con los dioses. Los nuevos dioses del capital nos siguen sacando sangre con los millones de muertos, no solamente por el coronavirus. Explotando tierras, saqueando el agua, arrasando bosques y selvas. 

El arte es esa manera de comprender el mundo, tan humana… nuestro cerebro, que es cuerpo, nos permite abstraernos en tiempo y espacio, del tiempo y espacio, conecta entrada tras entrada, ideas tras ideas. Que el arte postpandémico sea aquel que fisura el dispositivo que nos mantiene en cautiverio más allá del confinamiento, que el teatro postpandémico abra rendijas por las que podamos volar… volar para ver y reparar, para ver y no olvidar, mirada panorámica de nuestro entorno, ese cuerpo expandido nuestro. 

Como nos dijo ayer José Luis Rivero, que todo cambie, lo peor sería que todo siguiera igual. Y es que la creación y la creatividad no se detienen. En esta pandemia cada uno de nosotros hemos sido creativos en algo, para algo, cocinando, trabajando, dándonos cuenta en el encierro sobre detalles insospechados y capacidades que no creíamos tener. El poéta no puede dejar de crear, y me refiero a los artistas que generan poesía con su cuerpo, con los colores, con las imágenes, los sonidos, la escritura… y aquel que crea vínculos, no deja de hacer encuentros a la distancia, de ventana a ventana. 

Ese Teatro Postpandémico es de pequeñas comunidades, rizomático, amigable y cuidadoso. Convive contaminando menos, se moviliza de maneras inteligentes, y ligeras, no es antropocéntrico, abraza maneras otras, juzga menos, pero es autocrítico y trabaja duro, integra saberes múltiples de manera panorámica. Ese teatro postpandémico será verde y mujer.

 

Raquel Araujo

Mérida, México 27 de mayo 2020

PANDEMONIUM II

La tan anhelada  «vuelta a la normalidad» es ahora el centro de las conversaciones. ¿A cual normalidad?  se preguntan unos, la “nueva normalidad” prescriben los otros, pero ¿De qué “normalidad” hablan?  ¿Queremos volver a la normalidad o la normalidad era el problema? (W. Ospina) “Cuando la gente habla sobre cuándo las cosas volverán a la normalidad, debemos recordar que la normalidad era la crisis” (N. Klein)

Quienes queremos formular alguna opinión comenzamos a hurgar en la historia, la  literatura y las artes las referencias a la peste y sus consecuencias.  Tucídides señaló en la “Historia de la guerra del Peloponeso” (431 a. C.) que la plaga  que mató a casi una tercera parte de los ciudadanos de  Atenas causó un caos en la vida ciudadana, mientras muchos morían, los supervivientes  asumiendo que no habría un mañana disfrutaban sus días como fueran los últimos, se “transgredía la moral” y se desafiaba el cumplimiento de la ley. 

Como respuesta, aparece la figura del gobierno a través de estados de excepción y su consiguiente deriva autoritaria.  El miedo a la enfermedad y a una “mortalidad pestilente universalmente dañina” (como la llamaba Boccaccio en el Decamerón) brindan a los gobiernos de todos los signos políticos la oportunidad de mostrar una forma de proteger de la muerte a través de la imposición del estado de emergencia.  En La peste (1947) de Albert Camus y Ensayo sobre la ceguera (1995) de José Saramago,  podemos ver  que las épocas de pestilencia sacan lo peor de la humanidad. Florecen la indiferencia hacia los demás, el egoísmo, y un cierto acostumbramiento al estado de subordinación, a una especie de servidumbre voluntaria.

Visto en perspectiva latinoamericana,  este es el momento en que nos vemos obligados a cancelar proyectos planificados a largo plazo y comenzar a comprender que en los próximos meses y años debemos emprender cambios profundos en nuestras prioridades y estructuras. Algunos de nuestros colegas todavía están en la fase de  negación, otros desconcertados, pero el mundo pulso el botón de pausa  y todavía estamos dando vueltas, pensando en lo que vendrá. En todo caso, pasarán meses, antes de que nos parezcan seguras las viejas formas de socializar –  colectividad,  presencia y  convivencia-  que sabemos son fundamentales para la creación y distribución de la mayoría de los productos culturales. Esta presencialidad necesaria hizo que las instituciones, los eventos y los programas artísticos fueran los primeros en ser suspendidos y que, probablemente, sean los últimos en volver a trabajar por completo.

En un documento reciente,  la UNESCO señaló que  «la pandemia ha impactado toda la cadena de valor creativa (creación, producción, distribución y acceso) y ha debilitado considerablemente el estatus profesional, social y económico de los artistas y profesionales de la cultura». Las instituciones públicas y privadas, así como los empresarios , las pequeñas y medianas empresas y las ONGs culturales  están en estado crítico. Artistas, trabajadores independientes, trabajadores eventuales (intermitentes)   son especialmente vulnerables, y tienen un acceso limitado o nulo a algo que se parezca a la  protección social. Miramos con envidia las medidas tomadas en algunos países europeos, y desde esta, nuestra América, tratamos de mirar este contexto desde varías perspectivas.

Esos seres humanos denominados artistas

“-Porque -dijo el artista del hambre levantando un poco la cabeza y hablando en la misma oreja del inspector para que no se perdieran sus palabras, con labios alargados como si fuera a dar un beso-, porque no pude encontrar comida que me gustara. Si la hubiera encontrado, puedes creerlo, no habría hecho ningún cumplido y me habría hartado como tú y como todos…” “Un artista del hambre” Franz Kafka

 El  impacto central de la pandemia de COVID-19 afectará fuertemente una parte insustituible de la vida cultural: los seres humanos. Además del riesgo de contraer o propagar la enfermedad, muchos profesionales de la cultura se verán afectados por el desempleo inmediato y la pérdida de ingresos en un sector que tendrá una recuperación lenta. Las consecuencias saltan a la vista: En primera instancia la migración hacia otros sectores productivos,  una especie de  «fuga de cerebros»,   los artistas, técnicos y profesionales especializados se verán obligados a abandonar el sector cultural y  buscar formas de “ganarse el sustento” una especie de desalentador “no futuro” se hace presente,  ya comienzan a cerrarse  pymes y ONGs culturales .  Como paradoja, muchos países latinoamericanos han adoptado la “economía naranja” como perspectiva de desarrollo, no solo del sector sino como factor generador de empleo y riqueza,  lo han adoptado como política pública,  han promovido el empresarismo cultural como una alternativa importante para las economías de la región, no obstante, se observó en su momento la falta de una inyección de recursos nuevos en ese sector, y, en esta etapa crítica las alternativas de  una inyección económica que permita  soportar el mal momento, solo se plantea desde los recursos de créditos caros y que no corresponden a lo que debería ser una política de fomento que si es considerada para otros sectores tradicionales.

A esto se suma el que los ministerios y entes regentes de la cultura ven mermados sus pírricos presupuestos, que no pesan en los presupuestos generales de ningún país más allá de fracciones de decimal muy por debajo del 1 % de la tradicional recomendación Unesco. 

Los que tratan de sobreaguar, aplicando la imaginación y la innovación a sus tareas,  lo hacen desde sus casas, asumiendo el trabajo digital con el consiguiente ejercicio cotidiano agotador de muchas más horas frente a la pantalla (es una queja generalizada en todo el mundo)  creando planes de emergencia o terminando proyectos en plazos reducidos y en condiciones que no son ideales. Los artistas, los gestores culturales, y los trabajadores de 

las artes y la cultura, ahora usan su tiempo en llenar formularios de aplicación a proyectos para obtener recursos pequeños (las instituciones públicas han atomizado sus recursos para tratar de abarcar e incluir un mayor número de beneficiarios), y a tratar de emitir a través de las pantallas su acervo digital, o a crear alguna “cosa nueva” que los comunique con su público, bien sea clases, cápsulas creativas, podcast,  o cualquier cosa que signifique creación y movimiento de ideas, siempre a la espera de un hipotético regreso a esa manera de relacionarse con la representación que era la “normalidad “

Los jóvenes comienzan a desertar de la formación en artes de universidades y academias, a lo que se suma que ya hay manifestaciones de preocupación por la falta de nuevos alumnos para los periodos académicos por comenzar, probablemente por las crisis económicas en sus familias, y la perspectiva de “nube negra” que se cierne sobre el ejercicio profesional de la cultura y las artes.

En este contexto, las voces de esta “generación sin esperanza” ( Eliane Brum) que piensan que no vale la pena ir a la escuela si no hay futuro,  manifiestan que “Gritamos porque esperamos que sea de otra manera”, por que no podemos olvidarnos que antes de esta crisis universal, ya estábamos inmersos en una crisis ambiental ante la que la indiferencia era la norma y pregonaban “un futuro sin miedo”.

Incertidumbre vital, a la que tratan de responder desde la filosofía y la ciencia,  voces que plantean que sociedades enteras “deberían romper con el pasado e imaginar el mundo de nuevo” (Arundhati Roy).

La creación confinada y las nuevas maneras de circular

 “…deseoso de un mejor futuro / ha decidido cambiar de casa”  Ida Vitale 

“El poeta no cumple su palabra si no cambia los nombres de las cosas.” Nicanor Parra

 No son buenos tiempos para la creación y la circulación artística.  La pandemia impacta seriamente estos aspectos hasta el extremo de convertirse en una amenaza a  la diversidad de las expresiones culturales en todo el mundo,  estamos en riesgo no solo por que  la cadena de valor productiva está siendo afectada, sino por que es probable que en algunos sectores, especialmente el audiovisual, los países menos desarrollados dependerán cada vez más de los productos culturales extranjeros, ante la pasiva mirada de los gobernantes que impulsan incluso a través de decretos expedidos a la luz de la emergencia,  el consumo ilimitado de la producción audiovisual internacional en desmedro de la propia (caso colombiano), o la indiferencia de los medios de comunicación que no atienden a los ruegos de divulgación de las músicas nacionales, regionales o locales (emisoras privadas) o los canales de televisión que ven más rentable comprar “enlatados” extranjeros de bajo costo. Ya se ve inundada la televisión abierta de telenovelas turcas de bajo costo y de películas y series recicladas para el consumo masivo.

 Es previsible una merma en la producción cultural en nuestros países, por las circunstancias anotadas arriba, pero  además nos enfrentamos a la realidad  de la quiebra y el cierre de espacios culturales, especialmente teatros, cines, salas de conciertos y centros culturales independientes , así como también pequeñas empresas en el sector creativo, especialmente las  productoras audiovisuales, y las empresas de  conciertos y eventos .  Sin la perspectiva de ensayar colectivamente  y  mucho menos posibilidades para actuaciones públicas y giras, los grupos independientes de teatro, danza y música muy probablemente desaparecerán.  Ante las nuevas prioridades es altamente probable que veamos  una reducción drástica en giras, coproducciones , ayudas de la cooperación internacional , residencias artísticas, derivado de las normas que impiden la movilidad de los seres humanos a nivel internacional . Los museos y galerías sufrirán restricciones a la circulación y al préstamo de obras de arte a nivel internacional (nos imaginamos obras de arte sufriendo una “desinfección”?).

Deberemos superar el  miedo general  que como espectadores tendremos de las actividades en salas o una alta concentración de personas, teniendo como consecuencia la disminución de eventos de gran formato, desde luego esto desde una visión un poco pesimista del asunto, por que las grandes organizaciones del sector de la música, y las multinacionales del entretenimiento lucharán por mantener sus espacios globales, incluso han publicado encuestas y previsiones optimistas para el año entrante, pero “el miedo corroe el alma” decía Fassbinder  .

La recuperación de la confianza será lenta, relacionarnos con el “afuera” que entraña riesgos será un reto, las  esperanzas oníricas de “cooperación y confianza globales” (Yuval Noah Harari) será un desafío para los seres humanos.

 El público

“Julieta, la noche no es un momento, pero un momento puede durar toda la noche.“

Garcia Lorca, El público (1930)

La crisis económica que sobrevendrá traerá consigo como consecuencia lógica la pérdida de empleos, y la ausencia de ingresos, con lo que es posible imaginar una merma muy significativa en el consumo cultural en vivo, tendremos menos espectadores y, probablemente una mayor exclusión cultural, tanto por el empobrecimiento general de la población como por los factores derivados de las  limitaciones que se impondrán para el acceso a museos, espacios culturales y espectáculos en vivo. Dependiendo de la duración de esta crisis pandémica (que los más optimistas cifran en un par de años), también es probable la pérdida de públicos futuros, que hoy en día se cultivan juiciosamente en algunos países de nuestra región, en la medida en que se perderán espacios de formación de audiencias dado que  las actividades educativas podrían tornarse en secundarias, o simplemente ser relegadas al expediente de proponerlas en medios audiovisuales y digitales.  En el otro lado de la ecuación de los públicos consumidores de cultura, los adultos mayores, ahora considerados parte de los grupos de riesgo, verán limitadas sus libertades de movimiento por normas restrictivas, o serán atemorizados por los medios y las consignas públicas de no acudir a sitios no seguros, como consecuencia tendrán más miedo de regresar a los espacios culturales.

Existe una propuesta general de los gestores culturales para que  el “desconfinamiento” incluya el desbloqueo de museos e instituciones culturales. El respeto por  los protocolos de salud requeridos pueden resultar  muy costosos para los independientes.  La capacidad reducida de los visitantes, los altos estándares de higiene en el sitio, incluida la recomendación de medición de temperatura,  gel de alcohol en todos sus espacios, uso de mascarillas para los visitantes etc.  Adicionalmente, hay un sobrecosto importante en los servicios subcontratados, especialmente limpieza, para cumplir con las condiciones sanitarias y garantizar la seguridad pública.

Las etapas de retorno no llegan  al mismo tiempo a todos los tipos de instituciones. Los teatros y cines, por ejemplo, no están incluidos en las primeras etapas de reapertura en la mayoría de los países, aun que ya muchos lo tienen en sus previsiones de los próximos meses, no obstante todos nos preguntamos ¿En qué momento el público se sentirá seguro para sus salidas?  ¿ tendrá nuevamente recursos económicos y estará entre sus prioridades visitar espacios culturales?.  

 Volver a abrir las puertas quizás no sea suficiente. Vendrá un periodo de adaptación en que el enorme esfuerzo que deberemos hacer no será compensado con la presencia de un público que ya nos ha sido esquivo, con lo que el sector independiente (las salas teatrales en Latinoamérica, por ejemplo) difícilmente superará esta prueba, y los recintos estatales verán recortados sus recursos para programación y gestión de sus programas.  

El público ha tenido un impacto en su subjetividad y, especialmente, en la relación con el tiempo,  el ritmo de nuestras vidas se ha frenado considerablemente, esa vida acelerada  ha sufrido un freno repentino, el ritmo de la vida de millones de personas se ha ralentizado, qué respuesta tendremos para ese “tiempo recobrado”?

La  Transformación digital como nuevo paradigma

“Ahora todos tienen una presencia virtual. Todos están tratando de tener más ruido en la plataforma digital. ¿Pero quién está creando seriamente solidaridades sólidas?” Dr Ong Ken Sen (Singapur)

El papel de las artes es, como siempre, liderar la búsqueda de nuevos caminos, porque el arte es inspirador, y las artes tienen una cierta manera de hacernos repensar nuestra vida. Las artes, no solo en Latinoamérica, sino en todo el mundo, en todos los tiempos, han sido transformadores de paradigmas. Pero casi como consecuencia el poder las teme y las censura de muchas maneras, abiertamente o con el control de los presupuestos que les asigna, pero las artes siguen creando una comprensión diferente del mundo, aún en el confinamiento de las censuras, que es otra manera de encierro , pero hemos sido expertos en sobrevivir a los encierros, y lo continuaremos haciendo.  

Ahora el mecanismo de supervivencia es convertirnos en migrantes digitales, el confinamiento de gran parte de la población mundial ha provocado una «diáspora digital de las artes»: una migración no planificada y masiva de contenidos y experiencias culturales al entorno digital. Aunque este impulso digital está ocurriendo en nuestros países, su alcance, efectividad y mensajes transformadores se distribuirán de manera desigual tanto por las posibilidades de acceso de buena parte de los habitantes de esta región que son los excluidos digitales, como por las asimetrías existentes entre diferentes sectores y territorios del mundo, así los países más desarrollados tecnológicamente tenderán a beneficiarse más de las posibilidades digitales. Para estos, la crisis servirá como una oportunidad para acelerar las transformaciones digitales en curso y fomentar el desarrollo de la producción y el consumo de nuevas tecnologías, y, desde luego de la creación y circulación de contenidos .

Asistimos a un auge inicial de la circulación de la producción cultural digital, y una cierta euforia del consumo,  pero podemos imaginar  en un corto plazo algunos problemas que abordar: 

-Posible disminución en la oferta y el consumo  de los productos culturales digitales debido a la saturación de la oferta  

,- Dificultad para monetizar las acciones digitales 

– Riesgos legales que puede traer una relajación de los derechos de autor (en Colombia asistimos a una polémica por el intento que hace la sociedad de autores de intervenir en el sector de la música digital)

 -´Las redes sociales se ven favorecidas desde su consolidación como el principal medio de publicidad e interacción entre los artistas y el público.

 Finalmente el gran riesgo hace relación a que las organizaciones culturales públicas o las privadas  más grandes tendrán una mayor demanda de inversiones en profesionales y servicios tecnológicos. Incluso en la hipótesis de que pase rápidamente esta coyuntura, es probable que los productos digitales dejen de ser accesorios, y   se conviertan en una parte integral de los proyectos culturales. Esto marginará a muchas organizaciones que tienen limitado acceso al mundo digital por razones tecnológicas o económicas, y se abrirá una brecha digital aún mayor tanto en la producción de contenidos como en su consumo puesto que se hará más evidente  la falta de acceso a la cultura por parte de los grupos vulnerables que ya sufren un acceso desigual a la tecnología.

“Es la economía, estúpido” Bill Clinton

Dentro de la imprevisibilidad de este panorama pandémico, están las consecuencias económicas que estamos viviendo, y las que viviremos. Algunos preveen una recesión mundial que afectará directamente a países en desarrollo como los nuestros Acostumbrados a vivir en la escasez o la ausencia de dineros, no es este un fenómeno nuevo para nuestro sector en este espacio cultural común latinoamericano, pero ahora la sobrevivencia será aún más difícil y justificada en la precarización de los presupuestos públicos y el establecimiento de prioridades del gasto en los sectores de la salud, la seguridad social y alimentaria. Lo que probablemente siga es que debamos  enfrentar la reducción o la posible pérdida permanente de fondos públicos, del interés de patrocinadores y donantes que también establecerán otras miradas mas “sociales”, y darán prioridad a la urgencia, que se traduce en proteger a los desempleados y hambrientos.

Los recortes de los presupuestos públicos están a la orden del día, la cultura no está en las prioridades, no aparecen medidas de largo aliento financiero  para empresas y profesionales culturales (incluida la gama más amplia de profesionales además de los propios artistas) aparte de créditos leoninos o micro-auxilios coyunturales, . En nuestra América  donde el sector depende en gran medida de la financiación pública, es probable que las organizaciones y los espacios culturales no dejen de existir, pero tendrán que enfrentar recortes presupuestarios aún mayores, reducción de equipos y proyectos. Sin embargo, las organizaciones independientes y los proyectos culturales comunitarios se verán profundamente afectados. Las donaciones de individuos y fundaciones también pueden tener una disminución importante, ya que se sentirán obligados a donar a causas más urgentes. 

Economistas como el premio Nobel Amartya Sen piensan que la riqueza de una nación no es solo lo que mide el PIB o la renta per cápita, sino también las competencias humanas que favorece. Otros, como Schumpeter o Kirzner, piensan que la innovación o la creatividad son el motor impulsor del crecimiento, y que una «sociedad creativa», puede favorecer todo tipo de innovación. La economía deja de ser la ciencia que administra la escasez para convertirse en la ciencia que amplía las posibilidades humanas, necesitamos pues abordar la dimensión económica del problema, más allá de la retórica de la “economía naranja o creativa” siendo capaces de ponderar todas las dimensiones del desarrollo humano, y poniendo a la cultura no sólo en el discurso, sino en la realidad como un sector en el que hay que invertir desde lo público.

Mirar más allá de la coyuntura.

“Y sí, el multiculturalismo, como la interculturalidad, han sido ficción utópica. Y eso nos incumbe a los que trabajamos políticas culturales. ¿Qué es lo que realmente podría producir alianzas entre las diferencias?” G. Yúdice

La referencia a lo que vendrá después de la pandemia, cuando aparezca esa cura salvadora en forma de medicamento o de vacuna, incluye esa reflexión a la que estamos obligados sobre el rol de la cultura en esta re-construcción (todo está dicho en clave de RE) .  Claudia Toni, desde Brasil plantea una «crisis de relevancia», aun que todos recordemos y subrayemos la importancia de las artes tanto para la distracción como para la salud mental de la población, incluso para el manejo de la comunicación y transmisión de mensajes de cultura ciudadana en torno a formas de comportamiento y manejo de las situaciones derivadas de la forma en que los gobernantes manejan estas crisis.  No obstante  en un escenario de escasez de recursos será difícil convencer a los políticos  de que inviertan más dinero en cultura.  La gran mayoría de las organizaciones culturales en Latinoamerica debido a sus modelos de  gestión y limitaciones presupuestarias, están paralizadas. Esos segmentos artísticos y sus productos, que ya se consideran elitistas, pueden ser cuestionados sobre su relevancia y necesidad, sacudiendo los mercados considerados estables y rentables.

Por otro lado, el sector cultural, pese a que en algunos países muestra constancia y seriedad en datos e investigación de impacto, que se ha traducido en ser dimensionada en su importancia como política pública prioritaria en Centro y Suramerica, no articula en su defensa las cifras de otros sectores aun que se manifieste en otros contextos (las cifras de generación de empleo por ejemplo.

El riesgo que corremos como “ecosistema cultural “ (Rowan) es esa especie de darwinismo de un futuro basado en la «supervivencia del más apto» (instituciones o sectores de las industrias culturales de mayor dimensión, más establecidas y más rentables)

Pero siguiendo la reflexión de Yúdice, los planteamientos deben apuntar hacia  ¿cómo pueden los sectores y países menos afectados ayudar a otros? ¿En tiempos de redes que superan las barreras de las fronteras, geográficas y tecnológicas, cómo se pueden crear redes de cooperación y solidaridad ? ¿Cómo evitar la exclusión de los tradicionalmente excluidos?

La crisis pone a prueba nuestra capacidad para combinar empatía y acción. Es hora de estar en contacto con nuestros amigos y socios en Latinoamérica, incluso si las organizaciones en las que hemos estado trabajando juntos no sigan trabajando de la misma manera. Todos estamos pensando en formas de organizarnos de diferentes formas; tal vez lo digital prime, tal vez aparezcan nuevos formatos, tal vez nos encontramos un poco más tarde.  Estamos obligados a utilizar nuestra imaginación y capacidad de innovación para continuar trabajando a través de las fronteras, juntos, por ahora y para el futuro.

El miedo y la incertidumbre que sentimos en este momento, mientras que el sector al que hemos dedicado nuestras vidas se detiene, es real. Cuando se levantan las prohibiciones, nuestra mirada se desviará de nuestras pantallas en un acto de liberación silenciosa , abrazaremos la posibilidad de construir nuevas posibilidades de encuentro, y trabajaremos juntos en esa “construcción en el abismo” a la que nos obligan los tiempos por venir.