Día del teatro latinoamericano. Mensaje 2024

Por sketchup models on the web skp to glb workflow guideAlberto Isola*

El 31 de diciembre de 1821, apenas cinco meses después de la Declaración de Independencia del Perú, se publicó en la Gaceta de Lima, un decreto firmado por el general José de San Martín, con el título de Protector del Perú. Lo relevante para nosotros y para la fecha que hoy celebramos, es el asunto del decreto: el arte teatral. En él, se hace referencia a “un teatro fijo, como el de esta capital”, definiéndolo como “un establecimiento moral y político de la mayor utilidad”, para concluir, categórico, que, por ende, “El arte escénico no irroga infamia al que lo profesa.”

Es evidente que, más que aludir al pasado colonial, el decreto apunta hacia el futuro republicano. Es un proyecto, un deseo; de alguna manera, una utopía. Un teatro que, como el espejo shakesperiano, refleje, critique, ilumine un camino a recorrer. El camino de la identidad, del crecimiento, de la historia. Un reconocimiento del enorme poder del hecho escénico. Y quienes lo hacen posible tienen, pues, un deber y una responsabilidad que los aleja de toda infamia. Es más, en otro artículo del decreto, se dice que “los que ejerzan este arte en el Perú podrán optar a los empleos públicos”. Un contundente revés al menosprecio y la desconfianza que la sociedad deparaba, y depara, a quienes se dedican al teatro. O a cualquier forma artística. En los dos siglos posteriores, el teatro latinoamericano, en distintas formas y medidas, ha cumplido con el deseo formulado en el decreto. Y eso ha significado, además de logros notables y una presencia inextinguible, enfrentamientos, censuras, silenciamientos de parte de gobiernos e instituciones que, a diferencia de la mirada sanmartiniana, veían en el teatro no sólo infamia sino amenaza y peligro. Hoy enfrentamos nuevos ramalazos de intolerancia, intentos brutales de silenciar y borrar, no sólo al teatro, sino a cualquier manifestación de cultura o de pensamiento, considerándolos más que peligrosos, prescindibles, innecesarios, indignos de figurar en el presupuesto nacional. Además de las historias que lleva a escena y que, gracias a la doble naturaleza de la representación viva, nos hablan siempre del aquí y del ahora, el teatro nos sigue ofreciendo un modelo de convivencia y fuerza colectivas. Cada puesta teatral reúne a un grupo de personas y, aunque sea por un tiempo breve, crea una pequeña sociedad donde, sin prescindir de conflictos y diferencias, se trabaja para lograr un fin común, siempre mayor que la suma de sus participantes. Una especie de ensayo general de un mundo mejor. Y el hecho de que a veces se nos presente esta visión como anticuada o romántica no es más que un reconocimiento y a la vez un temor a su enorme poder. La historia, los sueños, las derrotas, los nuevos comienzos, se encarnan sobre un escenario, se hacen visibles en los cuerpos, las voces y las mentes de seres humanos que, como los libros vivientes de “Farenheit 451” de Bradbury, mantienen viva nuestra esencia y, al compartirla con otros seres humanos, en un mismo espacio y en un mismo tiempo, en esa comunión de la que habla Grotowski, la hacen indestructible. A pesar de que a menudo nos quieran hacer creer lo contrario. Nos vemos y nos escuchamos en un mundo donde eso resulta cada vez menos frecuente. Y más urgente. En “La de cuatro mil”, magistral sainete de inicios del siglo XX de uno de los mayores dramaturgos peruanos, Leonidas Yerovi, un personaje, al ser testigo de una reprimenda, originalmente destinada a él, pero recibida por otro, debido a una confusión de identidades, exclama, en una especie de revelación, con alivio, pero también con lucidez: “¡El espejo en que me tengo que ver!” Que ese espejo, aunque a veces se empañe o se quiebre, no se rompa nunca. Feliz Día del teatro latinoamericano.*Actor, director y pedagogo peruano

DESTINOS, 7th Chicago International Latino Theater Festival

CLATA ANUNCIA DESTINOS, 7TH CHICAGO INTERNATIONAL LATINO THEATER FESTIVAL, CON sketchup models on the web skp to glb browser workflow
LA PROGRAMACIÓN MÁS EXTENSA DE TODA SU HISTORIA, PRESENTANDO OBRAS DE BRASIL, CHILE, ARGENTINA, MÉXICO, EEUU Y PRODUCCIONES DE CHICAGO.
DEL 30 DE SEPTIEMBRE AL 17 DE NOVIEMBRE de 2024

Algunos de los eventos destacados incluyen un espectáculo sobre el papel del mole en la cultura
mexicana, una obra brasileña sobre una chamana, una producción chilena para toda la familia
sobre la protección del medio ambiente, el regreso de Port of Entry en Albany Park Theatre, la
presentación de Satya Chávez en Where Did We Sit on the Bus? de Brian Quijada, The Magic
Parlour encabezado por un mago de Ecuador, y los estrenos mundiales de Subtext Studio Theatre
sobre la relación de un padre y su hijo ambientada en el Wrigley Field, un musical unipersonal con
Mariachis de Visión Latino Theater Company, la verdadera historia de la refugiada en la iglesia de
Humboldt Park, Elvira Arellano, creado por Colectivo El Pozo y una comedia drag latina de Cabaret Parodia. Center on Halsted, Albany Park Theater Project y el American Musical Theatre Project de la
Universidad Northwestern se incorporan como nuevos partners a Destinos. CHICAGO, 31 de julio de 2024 – El Chicago Latino Theater Alliance anunció hoy el regreso de la 7ma
edición de Destinos, Chicago International Latino Theater Festival, un evento que se celebrará durante
siete semanas con espectáculos que se extienden por toda la ciudad y presentará a artistas y
compañías de teatro latino de Chicago, Estados Unidos y América Latina, del 30 de septiembre al 17
de noviembre de 2024. Como cada otoño, Destinos es el evento cultural de referencia en el Mes de la Herencia Latina en
Chicago, que exhibe a artistas y compañías de teatro latino de Chicago, Estados Unidos y América
Latina. El festival es producido por el Chicago Latino Theater Alliance (CLATA) y se celebra año tras
año para impulsar la escena teatral latina de Chicago a un nivel más prominente. La programación de Destinos 2024 incluye 22 producciones incluyendo 4 estrenos mundiales, 3
estrenos en América del Norte, 3 estrenos en Estados Unidos y 5 estrenos en el Medio Oeste. «Una vez más, esperamos mostrar la belleza y diversidad de nuestra Latinidad a través de una gran
cantidad de producciones de teatro internacionales, nacionales y locales que se presentarán como
parte de Destinos por toda la ciudad», dijo Jorge Valdivia, Director Ejecutivo de CLATA. «Estoy
particularmente emocionado por la multiplicidad de ofertas en Destinos para este año, con
presentaciones de renombre mundial de compañías de América Latina y Estados Unidos junto a
compañías latinas de teatro locales, una serie de talleres y cursos y Alianzas, nuestra semana de
programadores.»

Las entradas para las producciones internacionales y nacionales estarán a la venta el viernes 9 de
agosto en clata.org. Ya sean unipersonales o producciones a gran escala, las funciones de Destinos
suelen agotarse, por lo que se recomienda adquirir los boletos con anticipación para disfrutar de una
diversa programación de espectáculos durante este otoño. Manténgase al tanto en clata.org, y suscríbase al newsletter semanal de noticias de CLATA, para
acceder a las últimas novedades sobre los espectáculos, teatros, precios de boletos y horarios de las
presentaciones Siga a CLATA en Facebook e Instagram como @latinotheater para estar al tanto de
Destinos 2024. Destinos 2024 presentará cuatro producciones internacionales desde Argentina, Brasil, Chile
y México:

El estreno en América del Norte de El Brote de Compañía Criolla de Argentina. Las líneas entre
la ficción y la realidad comienzan a desdibujarse para un actor, quien ahora ni siquiera puede
estar seguro de quién está escribiendo los eventos en su propia vida. Este cautivador drama
psicológico, escrito y dirigido por Emiliano Dionisi y protagonizado por Roberto Peloni, tendrá
solo cuatro funciones, del 2 al 5 de octubre en The Den Theatre. La apertura para la prensa será
el Miércoles 2 de octubre a las 8 p.m. El estreno en Estados Unidos de Desvenar, de Kraken Teatro de México, escrito, dirigido y
co-protagonizado por Richard Viqueira. Este espectáculo explora el significado del chile en la
historia, cultura, lenguaje, religión y mitología mexicanas. Desvenar es co-presentado por CLATA
y el Museo Nacional de Arte Mexicano, con solo tres funciones. Del 3 al 5 de octubre. La
apertura para la prensa será el Jueves 3 de octubre a las 7:30 p.m. El Chicago Shakespeare Theater acoge el estreno en América del Norte de Azira’I, un
unipersonal autobiográfico protagonizado por Zahy Tentehar, dirigido por Denise Stutz y Duda
Rios, presentado por Sarau Cultura Brasileira de Brasil. La obra explora la relación de Tentehar
con su madre, Azira’I, la primera chamana mujer de la reserva Cana Brava y Chamana Suprema
de los pueblos Tentehar. Las funciones serán del 24 al 27 de octubre, con solo cuatro
funciones. La apertura para la prensa será el jueves 24 de octubre a las 7:30 p.m. El grupo chileno Astillero Teatro presentará La Memoria de los Sésiles, un espectáculo para
toda la familia en el Chicago Shakespeare Theater, con solo cuatro funciones, del 31 de
octubre al 3 de noviembre. La obra se sitúa en un futuro no muy lejano donde todos los árboles
han sido talados por la expansión inmobiliaria descontrolada. Sacha, un anciano ermitaño, y
Tujo, un joven ambientalista, emprenden un viaje profundo bajo tierra y a través de sus
recuerdos en busca del camino que hará emerger nuevamente el bosque. Lleno de canciones,
juegos y hermosa escenografía, está escrito por Nicolás Cancino-Said y dirigido por Gabriel
Contreras. La apertura para la prensa será el jueves 31 de octubre a las 7:30 p.m. Las producciones nacionales para sus estrenos en Chicago, incluyen:
Desde San Francisco se presenta Latin Standards, un unipersonal escrito y protagonizado por
Marga Gomez, donde navega su historia de perseverancia y adicción creativa transmitida de
padre inmigrante a hija lesbiana. Se presenta en colaboración con el Center on Halsted, con
solo dos funciones, el 4 y 5 de octubre. La apertura para la prensa será el viernes 4 de octubre
a las 8 p.m. Goodman Theatre continúa su colaboración de larga data con CLATA para llevar el arte de la
magia a Destinos con The Magic Parlour presentando a Siegfried Tieber. Este año, el legendario
mago de Chicago Dennis Watkins ha invitado a Tieber y a magos latinos locales a subir al
escenario de The Magic Parlour para este compromiso exclusivo y limitado, del 9 al 20 de
octubre en Petterino’s. Originario de Ecuador, Tieber es un mago radicado en Los Ángeles que
ha engañado a miles, incluyendo a Penn & Teller, con su increíble habilidad manual, psicología y
humor. Watkins considera a Tieber uno de sus artistas de magia favoritos, llamándolo
“inteligente, divertido, amable e increíblemente astuto”. Solo habrá doce funciones, incluyendo
dos con apariciones especiales de los magos locales Luis Carreon y Mago Gozner. La apertura
para la prensa será el jueves 10 de octubre a las 7:30 p.m. El compositor de teatro musical y ganador del Premio Jonathan Larson 2023, Jaime Lozano,
llega al American Musical Theatre Project de Northwestern para continuar el desarrollo de
Desaparecidas, su nuevo concierto musical sobre historias de mujeres desaparecidas en las
fronteras. Contado a través del lente del folklore y la música mexicana, los escritores Lozano,

Florencia Cuenca y Georgina Escobar exploran el borrado estratégico de las voces femeninas en
la lucha para acabar con la violencia de género y la desaparición de mujeres y niñas. Desde las
desaparecidas hasta las invisibles socialmente y las olvidadas, Desaparecidas tiene lugar en
una feria estatal mexicana clásica y atemporal (un Palenque) donde el público experimentará
una aparición especial de algunas historias de las desaparecidas. Las funciones serán del 18 al
20 de octubre en el Wirtz Center de Northwestern en Chicago. La apertura para la prensa será
el viernes 18 de octubre a las 7:30 p.m. I came here to weep, presentado por primera vez en el Chocolate Factory Theatre de Brooklyn en
2023, es una instalación performática dirigida por la coreógrafa y artista interdisciplinaria
galardonada con el Premio Bessie Yanira Castro. Co-creado con el público, I came here to weep
es un proyecto multimodal e interactivo con un entorno sonoro construido y diseñado por
Stephan Moore. I came here to weep examina la posesión territorial de EE. UU. y la soberanía
puertorriqueña e invita al público a una exorcización colectiva. Experimenta I came here to weep
del 15 al 16 de noviembre en el Wirtz Center de Northwestern en Chicago. La apertura para la
prensa será el viernes 15 de noviembre a las 7:30 p.m. Las compañías, artistas latinos de Chicago que participan en el 7o Festival Destinos son:
Elvira, estreno mundial de Colectivo El Pozo, cuenta la verdadera historia de Elvira Arellano, una
inmigrante mexicana, madre soltera, trabajadora y eventual activista, quien, temiendo la
deportación, se refugió durante un año en una iglesia de Humboldt Park en 2005. Elvira, escrita
por Raúl Dorantes y dirigida por Mark Litwicki, se presentará del 2 al 26 de octubre en St. Augustine College en Uptown. La apertura para la prensa será el jueves 3 de octubre a las 7:30
p.m. Teatro Tariakuri en Chicago Lawn presenta el estreno en EE. UU. de El Piélago de las
Calamidades, una comedia de Alejandro Licona, dirigida por Karla Galván, que cuenta la historia
no escrita de lo que les ocurrió a los actores nómadas contratados por Hamlet para representar
el asesinato de su padre. Las funciones serán del 5 al 27 de octubre. La apertura para la prensa
será el sábado 5 de octubre a las 7 p.m. El escenario es Wrigley Field, Cubs contra los Brewers, en la comedia dramática Que Te Vaya
Bien de Subtext Studio Theatre, que se estrenará del 10 al 27 de octubre en el Greenhouse
Theater. Después de enterarse de que su esposa está embarazada, Elias compra un boleto para
el juego de los Cubs para conectar espiritualmente con su difunto padre, con la esperanza de
obtener claridad sobre lo que significa ser un buen padre. Una nueva obra escrita por Omar
Vicente Fernandez y dirigida por Octavio Montes De Oca. La apertura para la prensa será el
jueves 11 de octubre a las 7:30 p.m. Concrete Content presenta el estreno mundial de Ruth on the Rocks, una dramedia concebida y
dirigida por Ricardo Gamboa y escrita e interpretada por Ruth Guerra. Ruth Guerra es una chica
mexicano-americana de mediana edad que creció en el barrio del lado sur de Chicago, aún está
de luto por su difunto padre y ama una buena bebida o diez, sus canciones y una relación
complicada. Guerra interpreta su espectáculo autobiográfico en la tienda que era el taller de
reparación de refrigeradores de su difunto padre en Back of the Yards. Las funciones serán del

11 de octubre al 16 de noviembre en Storyfront de Free Street. La apertura para la prensa será
el viernes 11 de octubre a las 7 p.m. Albany Park Theater Project y Third Rail Projects presentan el regreso de su exitosa
producción inmersiva, Port of Entry. Sumérgete en las historias de inmigrantes y refugiados de
todas partes del mundo que viven lado a lado en un solo edificio de apartamentos en Albany
Park. Cada función recibe a solo 28 miembros del público en un edificio de apartamentos de
patio icónico meticulosamente recreado en un almacén de 1,115 metros cuadrados. Con cada
paso, los invitados experimentan las luchas, alegrías y triunfos de las personas que forjan
nuevas vidas juntas. El Chicago Tribune llamó a la puesta en escena original de 2023 “una pieza
asombrosa… un hermoso y fresco tributo a quienes llegaron primero.” Las funciones serán del
17 de octubre al 2 de noviembre. La apertura para la prensa será el jueves 17 de octubre a las 7
p.m. Cabaret Parodia presenta Más Dramáticas, escrita y dirigida por Esteban Pantoja, una comedia
sobre una directora de escuela de actuación que comparte la historia de su prestigiosa
academia y revela el drama intenso detrás de las audiciones de cinco estudiantes
extraordinarias, cada una interpretada por drag performers latinas de Chicago. Con feroz
competencia, altos riesgos y una ambición inquebrantable, estas chicas están preparadas para
darlo todo. Se esperan más música, más risas, más pelucas y más drama. Solo dos funciones,
el 23 y 24 de octubre en el Museo Nacional de Arte Mexicano. La apertura para la prensa será
el miércoles 23 de octubre a las 7 p.m. Repertorio Latino Theater presenta el estreno en Chicago de Juicio a una Zorra, un monólogo
dramático de Miguel Del Arco, dirigido por Sebastián Ligarde. Mafer Roussell interpreta a
Helena de Troya, también conocida como Helena de Esparta, famosa por su belleza que desató
la guerra más renombrada de la Antigüedad, y vilipendiada como la reina adúltera de Esparta. Las funciones serán del 24 de octubre al 10 de noviembre en Citlalin Gallery & Theater. La
apertura para la prensa será el jueves 24 de octubre a las 8 p.m. Aguijón Theater, el teatro en español más antiguo de Chicago, con sede en Belmont-Cragin,
presenta Adverses, una interpretación contemporánea del mito de Electra de Rey Andujar,
dirigida por Sándor Menéndez y Marcela Muñoz. El público puede esperar una tragicomedia
humorística pero conmovedora sobre la naturaleza corrosiva de la búsqueda del poder y la
complicada relación entre madres e hijas. Las funciones serán del 1 de noviembre al 15 de
diciembre. La apertura para la prensa será el viernes 1 de noviembre a las 8 p.m. Celebrando su 35o aniversario, Aguijón Theater presentará una reposición de Cintas de seda,
solo cuatro funciones, del 7 al 10 de noviembre en el Museo Nacional de Arte Mexicano, donde
Aguijón se presentó por primera vez en 1990. En la víspera del Día de Muertos, Frida Kahlo y Sor
Juana Inés de la Cruz se reúnen en un diálogo imposible donde fantasmas, alucinaciones e
imágenes del pasado están presentes desde la muerte en una representación poética de la
vida. Esta función especial también servirá como una recaudación de fondos para la compañía
de teatro en español más antigua de Chicago. La apertura para la prensa será el jueves 7 de
noviembre a las 7:30 p.m. Where Did We Sit on the Bus?, el exitoso musical unipersonal de Brian Quijada, interpretado por
la destacada artista multidisciplinaria Satya Chávez, tendrá un compromiso muy limitado del 15
al 17 de noviembre en el 1700 Theater de Steppenwolf. Durante una lección de tercer grado
sobre el movimiento por los derechos civiles y Rosa Parks, una niña latina levanta la mano para
preguntar: “¿Dónde nos sentamos en el autobús?” Su maestra no puede responder a la
pregunta. Interpretado por Chavez, una actriz, cantante, multiinstrumentista, compositora y
feminista interseccional, e infusionado con ritmos latinos, hip-hop y looping en vivo, no te
pierdas esta experiencia teatral vibrante y dinámica que examina lo que significa ser Latiné en
América. La apertura para la prensa será el viernes 15 de noviembre a las 7:30 p.m. Destinos Spotlight Week regresa, una serie de funciones únicas que destacan el talento local de
Chicago, con narración de historias presentada por Néstor Gómez el 18 de octubre, Antojitos
Improv el 19 de octubre y una edición latine de Scratch Night curada por Alice da Cunha del
Physical Theatre Festival el 21 de octubre. Todas las funciones se llevarán a cabo en The Den
Theatre. Visión Latino Theatre Company, ganadora del Premio Jeff, presenta el estreno mundial de
Jocey y Las Mariachis, un musical unipersonal creado por Jocey Villa y dirigido por Yajaira
Custodio. ¡Experimenta el viaje musical a través de la cultura, el amor y el autodescubrimiento
en Chicago, acompañado de música de mariachi en vivo! Lugar y fechas por anunciar. La programación adicional para Destinos incluye:
El festival Destinos 2024 marcará el lanzamiento de Alianzas, una semana de encuentros y eventos del
21 al 27 de octubre dedicada a facilitar intercambios entre programadores y representantes de
festivales nacionales e internacionales y grupos de teatro latine locales. Otra novedad será la introducción de Intercambios, una serie de talleres y cursos que se impartirán a lo
largo del festival. Sobre el Chicago Latino Theater Alliance (CLATA)
El Chicago Latino Theater Alliance (CLATA) es una organización que apoya y visibiliza al teatro latine
en Chicago. Su misión se centra en promover al desarrollo de dramaturgos, actores, directores y
profesionales del teatro latine emergentes y establecidos. El objetivo de CLATA es cultivar una
comunidad teatral dinámica e inclusiva, presentando y produciendo teatro latine que celebre y
promueva la riqueza y diversidad de nuestra latinidad. CLATA cree que juntos podemos construir una
industria teatral latine más fuerte y sostenible. CLATA tiene cuatro programas distintivos: 1) Destinos, el Festival Internacional Latino de Teatro de
Chicago, un festival anual que se expande por toda la ciudad donde presenta a artistas y compañías de
teatro latine de Chicago junto a los mejores artistas latine de EE. UU. y América Latina; 2) Destinos Al
Aire, un festival familiar gratuito al aire libre que lleva las artes escénicas a las comunidades latine de
Chicago con el objetivo de hacer que las artes sean accesibles para todos; 3) Inicios: Chicago Latine

Playwright Festival, un festival anual dedicado a elevar y promover a los dramaturgos latine del área de
Chicago; y 4) Latine Theatre Artist Week, una serie de talleres y cursos con acceso gratuito
específicamente para actores y artistas de teatro latine. CLATA cuenta con el apoyo de Ford Foundation, John D. and Catherine T. MacArthur Foundation,
Joyce Foundation, Arts Work Fund, Paul M. Angell Family Foundation, National Latinx Theater
Initiative, Driehaus Foundation, Gaylord and Dorothy Donnelly Foundation, Excellerator Fund, Shubert
Foundation, y Illinois Arts Council Agency. Destinos cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts, Arts Midwest GIG Fund y el
Consulate General of Argentina. Para mayor información, visite clata.org, o siga a CLATA en Facebook, Instagram and Threads con
@latinotheater.

56 Festival Internacional de Teatro de Manizales

Comienza la celebración de los 56 años del Festival Internacional de Teatro de Manizales.La inauguración estará a cargo de la compañía colombiana La Quinta del Lobo con su obra ‘Habūb, escrituras de arena y agua’, una coproducción con el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella.

Manizales se viste de fiesta y da la bienvenida a una semana intensa que gravitará alrededor de la magia del teatro. Con la participación de siete países, nueve compañías internacionales, nueve nacionales y doce locales, la 56a edición del Festival Internacional de Teatro de Manizales promete transformar cada rincón en un escenario lleno de vida, arte y cultura.

Durante ocho días, los espacios del Centro Cultural de Convenciones Teatro Los Fundadores, los auditorios de la Universidad Nacional, el Galpón de Bellas Artes, y Hernando Aristizábal de Confa serán el epicentro de esta celebración teatral. Las boletas están disponibles en la página web del Festival de Teatro www.festivaldemanizales.com, en ‘Tu Boleta’, en las taquillas del Teatro Los Fundadores y el punto de venta en Cable Plaza.

Paralelamente, tres compañías internacionales de Brasil, España y Costa Rica, junto con una nacional de Bogotá y ocho de Manizales, llevarán su arte a las calles, transformando la Plaza de Bolívar y los parques Ernesto Gutiérrez y Antonio Nariño en escenarios abiertos al público. Estas presentaciones, que se realizarán del 5 al 8 de septiembre, serán de acceso gratuito. Octavio Arbeláez, director artístico del Festival Internacional de Teatro de Manizales, enfatizó en que este año habrá una fuerte presencia del teatro local, el cual ha demostrado una evolución, que se destacará en esta edición. “Sean bienvenidos a la programación de este año, que será innovadora, alegre y festiva y esperamos que hagan eco de nuestra alegría de crear”, señaló.

México, Brasil, Costa Rica, Argentina, España y Portugal son los países invitados este año. Estas seis naciones compartirán con el público su rica tradición teatral y sus más recientes creaciones escénicas. Las representaciones entablarán diálogos con relatos clásicos mientras abordan una amplia gama de situaciones contemporáneas que resuenan en la escena actual, ofreciendo una diversidad de perspectivas que invitan a la reflexión y al diálogo.

Argentina llega con dos propuestas de la Compañía Criolla: ‘El brote’ y ‘Romeo y Julieta de bolsillo’. Las compañías Las Afueras, de Costa Rica, y Nómada, de España, se han unido para dar vida a ‘Magma’, mientras que cada país también presentará funciones individuales:‘El Pastor’ y ‘Buitres’, que se llevará a cabo en el Parque Ernesto Gutiérrez. Las Niñas de Cádiz, de España, sorprenderán con ‘El viento salvaje’, y México cautivará con ‘Bashir Lazhar’, una creación de Los Endebles. Desde Portugal, Hotel Europa escenificará ‘Perfect match’, mientras que Brasil presentará dos propuestas: la obra callejera ‘Ubú, lo que es bueno debe continuar’, fruto de la colaboración entre los grupos Clowns de Shakespeare, Facetas y Asavessa, y ‘Guarde-me’, de la Compañía de Danza de Marcia Milhazes.

El teatro colombiano estará representado por nueve obras, dos de las cuales son coproducciones con el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella: ‘Habūb, escrituras de arena y agua’, de La Quinta del Lobo, que será la obra inaugural, y ‘Perderse’, de Teatro Petra. Ambas historias reinterpretan la novela La Vorágine del escritor colombiano José Eustasio Rivera. Junto con la obra local Aun Macario, de Teatro Portátil, estas funciones darán inicio a la fiesta teatral más antigua e importante de América Latina. core section: creator profile rankings

“El FITM es un espacio donde se han formado generaciones interesadas en las artes escénicas, y estamos muy honrados y contentos de ser la función inaugural”, señaló Carmen Gil Vrolijk, directora artística de La Quinta del Lobo.

El talento nacional también se manifestará en las obras ‘Actos de desaparición’, de Verónica Ochoa; ‘Ubú en Colombia’, de Teatro El Paso; ‘Estela’, de L’Explose; ‘Miedo no te tengo miedo’, de Manicomio de Muñecos; ‘Caperucita roja’, de Tropa Teatro; ‘Negro’, de La Congregación Teatro, y ‘La historia del conejo embustero’, del Teatro Experimental Fontibón, que ofrecerá dos presentaciones en la Plaza de Bolívar y el Parque Ernesto Gutiérrez.

Fabio Rubiano, actor y cofundador de Teatro Petra, presentará la obra ‘Perderse’ en doble función a las 5:00 p.m. y 9:00 p.m. en el auditorio de la Universidad Nacional. Según Rubiano, esta pieza es una incursión en el universo de ‘La Vorágine’, retomando varios de sus elementos para situarlos en una selva burocrática.

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#CoproducciónREDELAE

MEMORIA EXPLICATIVA EN LA QUE SE ESPECIFICA EL INTERÉS DEL PROYECTO Y EL CARÁCTER QUE SE ESPERA DAR AL MISMO.

‘La memoria es un arma cargada de futuro’.

1. POR QUÉ ESTE PROYECTO

‘Filtro’ tiene como objetivo traer al presente y generar conocimiento sobre el acontecimiento más impactante de la democracia más reciente de Uruguay, así como reflexionar sobre el asilo político, un recurso fundamental para aquellos que enfrentan persecución política o violaciones graves de derechos humanos en sus países de origen.

Tomando los sucesos del Hospital Filtro como punto de partida este proyecto quiere:

• Investigar sobre un hecho histórico relevante.
• Revisar la historia reciente desde una visión que desmonte certezas y que genere nuevas preguntas sobre los hechos acontecidos.
• Visibilizar las historias de las veteranas militantes en este suceso.
• Rescatar la memoria mediante vías de reflexión restaurativas a través de la voz del pueblo.
• Poner en valor la solidaridad internacional.
• Aportar a la reconciliación, el perdón y la búsqueda de la no repetición.
• Revisar el funcionamiento de la justicia desde una mirada que cuestione el funcionamiento de esta.
• Indagar y generar conocimiento y reflexión sobre el suceso que pudo haber marcado un antes y un después en la política nacional uruguaya.

Representar nuestra historia refleja la voluntad de conocernos a nosotros mismos. Hoy somos lo que construimos o destruimos ayer. Esta pieza quiere indagar ese pasado para examinar el presente y arrojar luz sobre el futuro.

1. ANTECEDENTES Y CONTEXTO

En 1992, el ministro uruguayo del Interior Juan Andrés Ramírez comienza a seguir los pasos de un grupo de ciudadanos españoles de origen vasco residentes en Montevideo, sospechosos de pertenecer al grupo terrorista ETA. Este grupo, operaba en el restaurante «La Trainera» en la calle Charrúa 2388 esquina Ponce de Montevideo. El 15 de mayo se pone en marcha el «Operativo Duque», encabezado por el inspector principal Saúl Clavería, y se detienen en Uruguay a unas 30 personas. Fue el mayor golpe asestado a la organización terrorista ETA fuera de España y Francia.

De los 30 detenidos fueron procesados trece, de los cuales el Estado español pidió prisión para diez, y finalmente, al amparo del tratado firmado con Uruguay el 11 de noviembre de 1995, demandó la extradición de ocho de ellos: Mikel Ibáñez, Luis Mari Lizarralde, Jesús Goitia, Amaia Arakistain, Juan José Urrutia, Pedro Gómez, Agurtzane Delgado y Josu Lariz. Jesús Goitia, Mikel Ibáñez y Luis Lizarralde fueron acusados de falsificación de documento público. Puesto que la extradición no podía concretarse mientras hubiera un juicio abierto en Uruguay, el fiscal Juan José Pumarega pidió la absolución de los encausados, pese a las evidencias que habían permitido el procesamiento. Uruguay sólo accedió a entregarle a España a tres ciudadanos, que permanecieron detenidos en la Cárcel Central de Montevideo a la espera del trámite final de extradición.

En 1993 estos tres vascos detenidos inician una huelga de hambre, que luego suspendieron ante la expectativa de que fueran puestos en libertad mediante la concesión de asilo político. Para entonces ya se ha formado una Comisión de Apoyo a los Vascos Detenidos y el MLN Tupamaros sale en defensa de los presuntos etarras planteando el asilo político por medio del abogado Gustavo Puig. El 18 de noviembre la Junta Departamental de Montevideo, donde el Frente Amplio poseía mayoría absoluta, aprueba una declaración favorable a “adoptar una decisión humanitaria (…) que haga honor a la tradición de Uruguay, tierra de asilo”, pero el presidente Lacalle manifiesta que, si la justicia ha dispuesto la extradición, los vascos tienen que irse. Se trata de un tema del Poder Judicial y ellos tienen que cumplir la orden: “El asilo político no cabe cuando se cumple la extradición» que habilitan los tribunales uruguayos como resultado de delitos cometidos en España por presuntos integrantes de ETA”, precisa Lacalle.

El 12 de agosto de 1994 los presos que van a ser extraditados inician una nueva huelga de hambre como rechazo ante el desamparo del gobierno uruguayo a cambio de premios que el gobierno español le ofrece. El 19 de agosto comienzan

una huelga de sed y a raíz de esto son llevados al Hospital Filtro para poder seguir la evolución de su salud.

El 21 de agosto el Frente Amplio llama a frenteamplistas, organizaciones gremiales, sociales y barriales a manifestarse “en defensa de la vida y el derecho de asilo”.

El 23 el PIT- CNT, la central obrera, convoca una huelga general. La salud de los vascos empeora.

El Ministerio del Interior, a cargo entonces de Ángel María Gianola, comienza a preparar la extradición dispuesta por la Justicia: “No corresponde el asilo político, corresponde que se cumpla la legislación vigente hay una sentencia de extradición y el Poder Ejecutivo lo único que puede hacer es cumplir con dicha sentencia».

El 24 de agosto de 1994, día previsto para la extradición grupos de la izquierda radical organizan una manifestación masiva en las inmediaciones del Hospital Filtro. A través de la estación de radio de CX 44 Radio Panamericana, dirigida por el MLN Tupamaros, se llama a asistir a la zona. Poco después, desde el mismo medio se alienta a resistir la acción de las fuerzas policiales.

En la noche del 24 de agosto la zona adyacente al Hospital Filtro se convierte en el escenario del mayor episodio de violencia de la democracia reciente de Uruguay.

1. SUCESOS

Mientras la violencia crece, la policía constata que la radio ha sido intervenida y que los manifestantes se comunican entre sí por medio de walkie-talkies para orientar a los grupos de agitadores durante los enfrentamientos.

En el cruce de las avenidas frente al Edificio Libertad decenas de manifestantes corren para evadir la acción policial. Gases lacrimógenos. A las 20 horas la policía comienza a disparar indiscriminadamente a los manifestantes. Durante la madrugada las refriegas continúan.

Con cientos de heridos, dos personas fallecidas, la emisora CX44 clausurada por el incumplimiento de un Decreto-Ley de Radiodifusión creado en la dictadura y tres ciudadanos vascos extraditados, el presidente, Luis Alberto Lacalle, y el ministro del Interior, Ángel María Gianola, cierran esta operación.

1. CARÁCTER DE LA PIEZA

‘Filtro’ quiere ser una ficción basada en los acontecimientos sucedidos en Montevideo la noche del 24 de agosto de 1994. Con base de teatro documento para desgranar los sucesos, el texto está planteado para saltar en el tiempo y espacio de los distintitos acontecimientos y tomar este hecho histórico referencial para plantear otros dilemas de la sociedad contemporánea. Así, la pieza está pensada para un equipo reducido de intérpretes que aborden los múltiples personajes que protagonizan esta historia donde no hay fábula; no se parte de un texto literario sino de materiales reales, que serán teatralizados siguiendo distintos principios de composición. El objetivo es la creación de una obra de ficción documental, donde la teatralidad aborde el mensaje desde la emoción.

1. REFERENCIAS DRAMATURGICAS

Esta pieza toma como referentes dos grandes espectáculos donde la ficción ha elevado poéticamente la historia. Tal es el caso del texto desarrollado por Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga ‘Shock; el Cóndor y el Puma’, un texto nacido en un proceso de investigación sobre un hecho histórico, el del golpe de estado del General Pinochet contra el gobierno de Salvador Allende; un teatro documental firmado por cuatro dramaturgos.

Sirva también como referencia ‘La Infamia’, una adaptación de Lydia Cacho y José Martret del libro ‘Lydia, memorias de una infamia’, sobre el secuestro de la periodista surgido después de la escritura de los ‘Los Demonios del Edén’, escrito por ella misma y en el que denunciaba una red internacional de pedofilia y explotación sexual de niños y niñas, de entre cuatro y catorce años de edad, organizada desde Cancún por el empresario hotelero Jean Succar Kuri, que surtía de pornografía infantil a otros poderosos empresarios y políticos mexicanos y extranjeros. A los pocos meses de la publicación, un dispositivo policial “legal” secuestró a la periodista frente a sus oficinas en Cancún. En ese momento arrancó un viaje en coche que duró más de veinticuatro horas en el que cruzó el país sufriendo continuas torturas y amenazas de muerte. El texto, adaptado por Cacho y Martret, arranca igualmente desde un hecho concreto y local para abrir al espectador una historia universal sobre la pornografía y los secuestros y torturas a periodistas por ejercer su profesión.

1. PUESTA EN ESCENA

El diseño espacial de ‘Filtro’ tiene una vocación de sencillez y se piensa en una disposición compacta, donde poder configurar libremente distintos espacios; una escenografía solvente para un montaje donde la forma organice el contenido. Un espacio escénico funcional y que signifique en relación con el mensaje de esta pieza.

En cuanto a posibles referencias estéticas para su puesta en escena, sirvan como ejemplo los siguientes diseños, de carácter funcional y que ofrecen, en la medida

de lo posible, la creación de un espacio de juego teatral donde el salto temporal y de acción permita viajar a los intérpretes para encarnar a los diferentes personajes; un espacio que esté al servicio de la historia y que posibilite diseñar esas fronteras espacio – temporales en un sentido no figurativo.

1. FORMATO

“Filtro” está pensado para ser un espectáculo de formato mediano. Interpretado por una actriz y tres actores que encarnen los distintos personajes, intentará abarcar tanto el circuito latinoamericano como el estatal con especial atención a la red de teatros vasca. Por la trascendencia de este suceso, la pieza es perfecta para ser exhibida más allá de las fronteras del País Vasco, en lo que es un claro ejemplo de una producción que además de ser reivindicativa pueda abarcar un interés social general sobre uno de los casos judiciales más cuestionados hasta la fecha.[/et_pb_text][/et_pb_column]
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Girart 2024

La 8° Edición de GIRART Mercado de las Artes Escénicas y la Música de Argentina llega a Córdoba en agosto de 2024

Del 13 al 16 de agosto de 2024, la ciudad de Córdoba se convertirá en el epicentro de las artes escénicas con la 8va edición de “GIRART Mercado de las Artes Escénicas y la Música de Argentina”. Organizado por Girart Puerta al Mundo y la Asociación Teatro La Cochera, este evento bianual es el primer mercado cultural argentino dedicado exclusivamente a las artes de la escena en vivo.

El Mercado GIRART proporciona una plataforma única para que productores culturales de Argentina, Colombia, Chile, Brasil, Uruguay, EEUU, Francia, entre otros países, descubran las mejores propuestas de artes escénicas argentinas. El objetivo principal es facilitar la contratación de estos talentos en festivales, ferias y circuitos artísticos a nivel nacional e internacional.

La edición de este año promete ser un evento excepcional, convocando a más de 2000 expertos, artistas, productores y público interesado. Los asistentes tendrán la oportunidad de participar en una serie de actividades que incluyen:

• Rondas de Negocios: Espacios de encuentro entre artistas y programadores.
• Showcases: Presentaciones en vivo exclusivas para programadores.
• Espectáculos: Exhibiciones abiertas de diversas propuestas escénicas.
• Talleres y Asistencias Técnicas: Sesiones de capacitación y asesoramiento.
• Jornadas de Intercambio y Colaboración: Eventos diseñados para fomentar la cooperación y el aprendizaje mutuo.

Las distintas actividades se desarrollarán en teatros, museos y otros espacios culturales, estatales, autogestivos y privados de la ciudad, destacando el diverso y rico mobiliario cultural de Córdoba.

Además, los portafolios artísticos de los emprendedores culturales seleccionados estarán disponibles para su consulta en la plataforma digital www.girart.org, ofreciendo una ventana al talento emergente y consolidado del país.

Con esta edición, el Mercado GIRART continúa su misión de visibilizar y promover la riqueza artística de Argentina, consolidándose como un evento imprescindible en el calendario cultural internacional.

Bolsa Funarte Brasil Conexões Internacionais 2024

INSCRIPCIONES ABIERTAS EL 2 DE JULIO

La Fundación Nacional de las Artes – Funarte, vinculada al Ministerio de Cultura (MinC), publicó la convocatoria de la Beca Conexiones Internacionales Funarte Brasil 2024, en el Diario Oficial de la Unión, este martes 2 de julio de 2024. La convocatoria es una acción más del proyecto Conexiones Internacionales de Funarte Brasil, que tiene como objetivo conectar agentes artísticos de Brasil y otros territorios culturales en acciones internacionales que promuevan el diálogo intercultural, la cooperación, la coproducción, el intercambio y la colaboración mutua.

En el ámbito de la Política Nacional de las Artes, este proyecto forma parte del Programa de Internacionalización de las Artes, que tiene como objetivo fortalecer la presencia de las artes brasileñas en diversos circuitos internacionales, a través de la coordinación institucional con entidades, organizaciones y proyectos internacionales. Esta primera edición de la convocatoria busca seleccionar agentes artísticos para integrar la delegación brasileña en el Mercado Cultural del Festival Internacional de Artes Vivas (FIAV), en Bogotá, Colombia (antes Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá), del 10 al 14 de octubre, 2024; y en PLATEA – Semana de Programadores en el Festival Internacional Teatro a Mil, en Santiago, Chile, del 14 al 19 de enero de 2025.

Podrán postular a las becas agentes del ámbito artístico con al menos cinco años consecutivos de experiencia en las áreas de Teatro, Danza y/o Circo. Pueden aplicar: Personas físicas, mayores de 18 años; Las personas jurídicas de derecho privado, de carácter cultural, con o sin fines de lucro; Microempresarios Individuales (MEI); y Emprendedores Individuales (IE) con experiencia en el campo de la cultura y las artes.

Más información en: Becas Funarte

Tessalon Usage and Insights

Characteristic	Detail
Generic Name	Benzonatate
Dosage Form	Capsule
Common Dosage	100 mg, 200 mg
Indication	Cough Suppressant
Mechanism	Peripheral Action
Storage	Room Temperature
Learn More About Tessalon

How and When to Take Tessalon

Tessalon capsules, available in dosages of 100 mg and 200 mg, serve as a valuable remedy for suppressing cough. Doctors often prescribe Tessalon for the symptomatic relief of cough in adults and children over ten years old. Patients should ingest Tessalon whole to avoid numbing the oral mucosa. Crushing or chewing capsules is discouraged due to potential side effects.

Patients are advised to administer Tessalon three times a day as directed by healthcare professionals. The timing of doses typically aligns with mealtimes, but medical advice should take precedence. Deviating from prescribed doses may result in diminished efficacy or heightened side effects.

Mechanism of Action

Benzonatate exerts its effect by anesthetizing the stretch receptors in the respiratory passages and lungs. This action reduces the cough reflex at the source, distinguishing it from central-acting cough suppressants. Such a mechanism makes Tessalon particularly effective for dry, nonproductive coughs.

Once ingested, Tessalon rapidly binds to nerve endings in the respiratory system. The onset of action typically occurs within 15 to 20 minutes, providing relief from persistent coughs. By inhibiting the initiation of the cough reflex, it offers targeted relief without affecting the central nervous system.

Warning & Precautions

Patients must exercise caution when using Tessalon. Allergic reactions, though rare, can manifest. Signs such as skin rash, itching, or difficulty breathing require immediate medical attention. Overuse or misuse may result in severe side effects or toxicity.

The safety profile of Tessalon necessitates attention in specific populations. Children under the age of ten, pregnant women, and breastfeeding mothers should consult healthcare professionals prior to use. Combining Tessalon with alcohol or other CNS depressants is not advised due to potential additive effects.

Tessalon Storage

Preserving the efficacy of Tessalon requires proper storage conditions. Store the capsules at room temperature, away from excessive heat and moisture. Containers should remain tightly sealed to protect from light exposure, which can degrade the medication.

Households with young children must ensure Tessalon remains out of reach. Accidental ingestion can lead to serious health risks, necessitating emergency intervention. Adherence to these guidelines ensures the medication remains effective and safe for use.

Toxicity

Exceeding recommended dosages of Tessalon can result in toxicity. Symptoms of overdose include restlessness, tremors, and seizures. Immediate medical intervention is crucial in such scenarios. Monitoring for early signs can prevent severe complications.

Healthcare professionals should inform patients about potential overdose risks. Education on the correct use of Tessalon, especially in households with multiple medications, helps minimize such risks. Adherence to prescribed dosages remains the best preventive measure.

Where to Buy Tessalon Online

Tessalon is widely available through licensed pharmacies. Online platforms offer an accessible route for purchasing, though verification of the pharmacy’s credentials is essential. Consulting healthcare professionals before acquiring Tessalon online can ensure authenticity and safety.

While some websites offer competitive prices, patients must prioritize pharmacies that require prescriptions. Such practices ensure the correct medication is dispensed. Drugs.com provides additional insights into Tessalon’s use and purchasing options.

Key considerations when buying Tessalon online include:

• Verification of pharmacy credentials
• Requirement of valid prescription
• Consultation with healthcare professionals

By adhering to these guidelines, patients can safely purchase Tessalon online, ensuring both quality and efficacy. steff35 free leaks

Santiago Off abre su convocatoria para 2025

La decimocuarta versión del Festival Internacional Santiago Off se realizará entre el jueves 23 de enero al sábado 01 de febrero de 2025 en diferentes espacios de exhibición y circulación asociados al festival.

La convocatoria estará vigente hasta las 23:59 (hora chilena) del domingo 13 de octubre de 2024. Podrán aplicar aquellos espectáculos profesionales y emergentes de origen nacional e internacional de artes escénicas (teatro, danza, artes circenses, circo, interdisciplinas) y de música enfocados en la renovación artística, que se interesen en formar parte de este encuentro.

Consulta toda la información en: www.santiagooff.com

 

Día Mundial del Teatro, 2024

La cultura no puede ser zona de sacrificio

Diversos certámenes de artes, en diversas latitudes han sido notificados de importantes recortes en su presupuesto, eufemísticamente llamados ajustes, que en algunos casos atentan contra su calidad y programación, o en otros afecta en la propia realización de los mismos.

A pesar de las diferentes latitudes, la batería de argumentos es siempre la misma: escasez de recursos, aunque en rigor habría que decir cambio de las prioridades, pasando la cultura al final de la lista.

Desde la Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas REDELAE, vemos con particular preocupación la situación que están padeciendo tres festivales miembros de nuestra organización. Nos referimos al Festival Internacional de Artes Escénicas de Panamá, al Festival Internacional de Teatro de Manta – Ecuador y al Festival de Teatro de La Rendija – Escena Iberoamericana de Yucatán- México, a los que se suman un sinnúmero de otros certámenes,  quienes debido a la falta de apoyos financieros corren el riesgo de no poder realizar sus respectivas ediciones correspondientes a este año. 

Aunque el concepto es recurrente, una y otra vez nos vemos obligados a subrayar la importancia de la cultura y el arte en la vida de nuestras comunidades, en el aporte a la relevante e incesante búsqueda de la pública felicidad de nuestros pueblos. No nos cansa ni nos detiene seguir reivindicando estas valoraciones. La ciudadanía que se encuentra a través de hechos artísticos construye futuros posibles de paz en un mundo donde el poder tiende a obsesionarse con los enfrentamientos.

En REDELAE tenemos al internacionalismo como bandera y a la solidaridad y la empatía como principios irrenunciables, es por eso que este colectivo formado por una treintena de organizaciones del espacio iberoamericano siempre está atento a situaciones que se antepongan a estas definiciones. Las adversidades de cualquier integrante las evaluamos como adversidades que trascienden al afectado y nos involucran a todos. 

Proponemos a quienes tienen la posibilidad de incidir en la asignación de recursos para llevar adelante los festivales mencionados valoren en nutrirlos de los fondos necesarios. Sin entrar en detalle de la particularidad de los indicadores, las inversiones en cultura y arte son marginales en relación a otras, un presupuesto siempre es el resultado de una valoración política, quiénes tienen las facultades para incidir en esas decisiones tienen la oportunidad de intentar mejorar nuestras vidas y la priorización de recursos es una de las herramientas para lograr ese objetivo al servicio de los tomadores de decisiones.

Por lo anteriormente expuesto, REDELAE formula votos para que la cultura, los espacios de creación, las plataformas de exhibición y circulación, así como los momentos de disfrute de las comunidades, no sean sacrificadas en aras de las meras consideraciones económicas.

Espacio iberoamericano, a los 22 días del mes de marzo de 2024

REDELAE  – Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas

Descarga el comunicado en formato PDF, AQUÍ

Temporada Alta en Montevideo

El internacionalismo escénico, una utopía posible

Del 30 de enero al 3 de marzo Sala Verdi celebra la décima edición de su Festival.

Llegar a diez años de Temporada Alta en Montevideo es seguir creyendo durante una década que lo que imaginamos puede ser posible. El estimulo de enfrentarnos a esas utopías ha sido la vibración constan- te para hallar el impulso cotidiano de proyectar a Sala Verdi en clave continental como un espacio donde la creación artística esté en el centro de cada acción.

Esta edición otra vez insiste en provocar la sublevación contra los espectadores pasivos, ex profeso las propuestas artísticas programadas en el festival son recurrentemente desafiantes. Soña- mos con generar un cataclismo de opiniones, con que la confrontación de ideas y las discusiones entre espectadores se extiendan al después de cada función; ese rito determinante que el teatro puede arrogarse por su particularidad de arte presencial donde el abordaje colectivo amplifica el disfrute antes, durante y después.

El internacionalismo tan ideológica- mente mentado trasciende a enun- ciados políticos. En las artes escénicas el internacionalismo que promulgamos se materializa en el espacio iberoamericano a través de la circulación de artistas, esto desde hace unos años se ha convertido en una necesidad casi biológica para la actividad. Está muy bien que así sea y desde Sala Verdi estamos orgullosos de sumar aportes para ello.

Festivales, ferias, mercados, tempo- radas internacionales se consolidan como herramientas imprescindibles en la generación de recursos y de nuevos horizontes del sector escénico, de modo que se suceden mes a mes en un calendario continental que se extiende en el año de forma sistemática. Argentina, Chile, Colombia, España y por supuesto nuestro país suman los 12 espectáculos que forman la grilla de esta Temporada Alta en Montevideo 2024.

El alto nivel artístico, así como también el agudo lente sobre la punzante realidad que vivimos quienes habitamos estos lugares del mundo, son los ejes transversales de las propuestas teatrales que se podrán presenciar en la querida Montevideo a partir del 30 de enero. En Sala VERDI siempre que nos embarcamos en los periplos de nuestra programación, nos gusta decir que estamos como queremos estar, el recorrido por el 2024 arranca de la mejor manera y ya lo empezamos a disfrutar, de eso se trata.

Consulta la programación completa AQUÍ

Gustavo Zidán
Director de Sala Verdi
Coordinador del Centro Cultural Terminal Goes

Santiago Off – 13 años en resistencia

Santiago Off es un proyecto que se levanta a pulso y a contracorriente para proponer vías alternativas de trabajo, intercambio y desarrollo artístico, en un contexto donde es cada vez es más complejo instalar acciones colectivas y discursos comunes.

Del 19 al 29 de enero celebra una nueva edición.

El Festival Santiago Off nace en el año 2012, por una parte, como plataforma alternativa de exhibición para los creadores y creadoras independientes que, hasta ese entonces, tenían escaso acceso a los circuitos oficiales; y por otra, como punto de encuentro del arte con la ciudadanía, promoviendo políticas de precios populares, actividades con extensa cobertura territorial y socios estratégicos en diversas comunidades. Desde entonces, se celebra anualmente cada Enero, 10 días consecutivos en diversas regiones del país, contemplando un circuito de salas públicas, independientes, universidades, centros culturales municipales y de cooperación internacional, consolidándose con los años, como una iniciativa pionera en desarrollar políticas de transparencia como la convocatoria pública de espectáculos, el trabajo en red de los espacios culturales y los encuentros de programación abiertos y horizontales.

Su programación contempla cada año cerca de 50 obras de artes escénicas nacionales, 15 obras internacionales y 10 conciertos musicales, programados en un 80% a través de convocatoria pública y un 20% a través de acciones estratégicas. La convocatoria pública incorpora un comité curatorial formado por representante de redes sectoriales de las artes escénicas y valora criterios de diversidad disciplinar, con énfasis en los lenguajes de vanguardia, contenidos artísticos con compromiso social, sello autoral de las propuestas, representación de la multiculturalidad, calidad y factura profesional, renovación de la escena y políticas de género y paridad para la visibilización de mujeres en roles de creación.

Estás políticas curatoriales, su extensión territorial, el costo rebajado de sus actividades, sus mecanismos de transparencia y la diversidad de sus espacios y actividades, lo han posicionado como uno de los eventos culturales más pluralista y transversales de Chile, convirtiéndose en un evento que ha sabido vincular la excelencia e investigación artística con el acceso popular. Así, Santiago Off es mucho más que un festival, es un agente articulador y movilizador del ecosistema cultural, atreviéndose con nuevos formatos, promoviendo la descentralización desde la autonomía territorial y posicionando a los públicos no sólo como espectadores, si no que también como creadores de contenido.

En Santiago Off creemos, hoy más que nunca, que el arte y la cultura son un bien de primera necesidad y proponemos acciones concretas para garantizar que comunidades y creadorxs puedan ejercer su derecho de participación en la vida cultural de manera segura
y democrática.

SANTIAGO OFF 2023 / REVISIONES 1973 – 2023 | 50 AÑOS

Nos invita a reflexionar y a revisar la evolución de los procesos creativos de estos últimos 50 años, a recorrer diferentes miradas autorales, que abordan desde un punto de vista crítico, los vertiginosos cambios sociales de un país de anuladas utopías, que construye sobre lo recién destruido y que despierta en la subversión para volver a dormir en el fracaso.

Proponemos, por medio de esta acción de arte, relevar la importancia de mantener viva la memoria, la valoración de los derechos humanos y contribuir con nuestras voces, al llamado desesperado que 50 años después sigue exigiendo verdad, justicia y reparación.

Consulta la programación completa en santiagooff.com

El trabajo en red en Latinoamérica

Por: Lucero Millán*

El trabajo en red en la región centroamericana ha sido una aspiración y un sueño
largamente acariciado para los artistas de las artes escénicas y para los gestores culturales
desde muchos años atrás, no solo por tener una serie de condiciones que teóricamente
deberían de beneficiarnos para la integración, como la cercanía de nuestros países,
territorios relativamente pequeños geográfica y poblacionalmente y la cultura en común,
(aún con nuestras grandes diferencias), sino porque trabajar en red es por todos conocido
que potencia recursos, crea sinergias y amplía experiencias, además de darnos una
identidad como centroamericanos.

Confieso que este tema me genera inseguridad, por la discontinuidad en la que he vivido el
proceso de construcción en red de artes escénicas en Centroamérica y porque
prácticamente no existen estadísticas y hay pocas investigaciones sobre las redes en
cultura, así que intentaré hacerlo desde mi participación como artista y gestora cultural, en
un contexto en el que hemos aprendido a luchar contra la informalidad y la precarización y
a construir de cero la cadena artística, desde la formación profesional hasta la construcción
de públicos. Es por ese motivo que la historia la contamos desde este lado de la acera.

Hablar de Centroamérica es hablar de un territorio lleno de cultura, paisajes paradisiacos,
diversidad, gente amable, pero también es hablar de un territorio convulsionado, con
invasiones norteamericanas, guerras, genocidios, guerrillas, revoluciones, dictaduras,
pobreza, migraciones masivas y una larga lucha de nuestros pueblos por la defensa de los
derechos humanos, la búsqueda de la democracia, la institucionalidad y la independencia
de poderes, a costa de grandes sacrificios y pérdidas humanas. A esto se le suma, una
profunda herencia de lo que el intelectual nicaragüense Pérez Baltodano, llama cultura
pragmática/resignada que encuentra una de sus principales raíces en la cosmovisión
providencialista reproducida por la iglesia católica desde la conquista, y que expresa una
visión de la historia como un proceso gobernado por Dios donde se deposita la fe en

poderes externos al individuo. Esta visión, desde mi punto de vista, ha facilitado la aparición
de caudillos, limitando la capacidad crítica de articular las visiones colectivas y las
estrategias necesarias para el desarrollo de proyectos en red en todos los ámbitos. Todo
esto ha generado sociedades muy fragmentadas, polarizadas, que hacen difícil los procesos
de trabajo en conjunto, desde el ámbito político hasta el sector al que pertenecemos.

Por parte del Estado no han existido prácticamente políticas claras y oportunas que
propicien el desarrollo de las artes escénicas centroamericanas, exceptuando algunos
períodos en Costa Rica y en los años ochenta en la Nicaragua revolucionaria que generaron
importantes cambios estructurales de desarrollo artístico. La mayoría de las iniciativas en
red han sido desde las iniciativas privadas de los grupos independientes por ser los más
dinámicos y comprometidos con sus objetivos, como es el caso de mi grupo, el Teatro Justo
Rufino Garay en Nicaragua del que hablaré más adelante.

El sector asociativo ha sido un fenómeno relativamente reciente, promovido en gran
medida por organismos no gubernamentales internacionales como Hivos (Instituto
humanista de cooperación para el desarrollo), ASDI (Agencia Sueca para el desarrollo
internacional), COSUDE (Cooperación Suiza para el desarrollo en Centroamérica), los
centros culturales españoles, entre otros.

A pesar de este difícil contexto político, económico y social, ha habido grandes proyectos
de construcción de red y de plataformas para la circulación, lo que lo hace aún más
meritorio. Una de las primeras experiencias que conocí como un intento de trabajar en Red
fue el Puente Centroamericano de Teatro, fundado en 1996 por compañeros
guatemaltecos, que lograron realizar dos ediciones de corredores de espectáculos pero que
lamentablemente no tuvieron continuidad. El festival cultura Paiz en Guatemala,
organizado por la fundación Paiz, con 13 ediciones. Le siguió la presencia de Celcit (Centro
latinoamericano de creación e investigación teatral) que logró realizar algunos corredores
de espectáculos iberoamericanos en Nicaragua y en Honduras y sirvió como plataforma

para homenajear a personalidades de las artes escénicas. Continuó la Red (Red de
promotores culturales de América Latina y el Caribe) que tuvo representación en toda
Centroamérica exceptuando Belice y que logró la circulación de una cantidad considerable
de grupos de gran prestigio de Latinoamérica y el Caribe. No menos importante ha sido el
FIA (Festival Internacional de las Artes) de Costa Rica, promovido por el Estado, y fundado
en 1989, que tuvo su última edición presencial en el año 2020. En el año 1995, el teatro que
tengo el honor de dirigir fundó el FIT/Nicaragua (Festival Internacional de Teatro,
Monólogos, diálogos y más) con veintiun ediciones y en el cual han participado grupos de
reconocido prestigio del mundo iberoamericano. El grupo de teatro Bambú de Honduras,
fundó el Festival Internacional de las artes escénicas, Bambú en 1990, realizándolo cada
año, cumpliendo 33 ediciones. En el año 1993, Fernando Umaña inauguró el Festival
Centroamericano de Teatro “Creatividad sin fronteras” culminando su última edición en el
año 2010. Su festival hizo énfasis en la promoción del trabajo artístico de la región. Así
mismo en Panamá, bajo la dirección de Roberto King se inauguró en el año 2007 el FAE
(Festival de Artes Escénicas) con quince ediciones en su haber. Es de los pocos festivales
que continúan en la región junto con el Festival Bambú de Honduras y el Fit Nicaragua. En
los últimos años la presencia de Iberescena ha propiciado coproducciones y algunos
corredores centroamericanos. Y desde hace varios años Redelae (Red Euro latinoamericana
de artes escénicas) a la cual pertenecemos desde hace varios años, ha sido un dinamizador
en Panamá, Costa Rica y Nicaragua, en conexión con los más importantes festivales de
Latinoamérica y Europa. De Guatemala no hemos vuelto a conocer iniciativas de
integración regional desafortunadamente desde hace años y Belice es un país casi
desconocido por los centroamericanos.

Merece especial capítulo de esta exposición una de las más importantes plataformas de
trabajo en Red que hemos implementado, llamado El Carromato (Proyecto de capacitación
para el sector teatro en Centroamérica), un proyecto que hasta la fecha ha dejado huella
en la región y que tuvo como propósito reforzar la profesionalidad del sector ante la
ausencia de políticas culturales y la poca demanda del público.

Todo inició con una convocatoria regional que realizó el colega Tito Estrada en Honduras en
el año 2001 para realizar un taller de Marco lógico. Ese taller se convirtió en el proyecto
Carromato, naciendo con buena estrella y con financiamiento desde el inicio de ASDI
(Agencia Sueca para el desarrollo internacional) y en la última etapa de Hivos. Se conformó
un Comité Ejecutivo, una asamblea integrada por los asistentes a ese taller, se invitó al
Instituto de Drama Sueco para ser contraparte por ASDI, se crearon representantes en cada
país para la ejecución del proyecto (Belice Nada, Guatemala Rayuela, El Salvador María
Escalón de Núñez, Honduras, Teatro Taller Tegucigalpa, Nicaragua, Teatro Justo Rufino
Garay, Costa Rica, Teatro Giratablas, Panamá, Asociación Cultural Alter Arte y se nombró al
Puente Centroamericano de Teatro de Guatemala para su administración.
El proyecto tuvo seis resultados:
Resultado 1. La capacitación, Consistió en elegir a maestros de reconocido prestigio en las
categorías de dirección, actuación, dramaturgia, crítica teatral, dirección técnica y
producción, para desarrollar durante un mes en un país distinto, talleres para los
profesionales de Centroamérica a través de un concurso. De ahí que contamos con
maestros como Ricardo Bartis, José Sanchiz Sinisterra, Charo Frances, Fernando de Ita,
Carlos Ianni y Gabrio Zapelli.
Resultado 2. La Réplica. Que básicamente consistió en reproducir el conocimiento en los
lugares de origen.
Resultado 3. Belice. Se vio como un resultado con el propósito de contribuir al desarrollo
del teatro profesional en ese país y a su incorporación a la región.
Resultado 4. Reforzamiento al sector técnico por considerar que históricamente ha sido
uno de los sectores más desprotegidos de Centroamérica.
Resultado 5. Diagnósticos de la situación teatral de cada país con miras a tener insumos
para la conformación de una Red centroamericana de teatro, objetivo final del proyecto.
Resultado 6. La Red. Se conformaron redes locales en cada país para la consolidación de la
Red Centroamericana de teatro para que siguiera creando sinergias.

El proyecto terminó en el año 2008 con un cúmulo de experiencias y con otros alcances no
menos importantes como el Proyecto Lagartijas, surgido del taller de actuación, se
implementó una mayor circulación artística reforzando los festivales existentes, hubo
compañeros que se dedicaron a escribir como Jorgelina Cerritos, Harold Agurto, otros a
actuar de manera profesional, algunas redes continuaron existiendo, sin embargo, la Red
Centroamericana lastimosamente no ha podido levantar cabeza. La mayoría de estas
iniciativas han tenido un común denominador: la discontinuidad. La pregunta, vuelve a ser
la misma. ¿Qué es lo que nos sigue impidiendo trabajar en Red, después de tantos
intentos?

Centroamérica tiene un atraso histórico en temas relacionados a educación, a inequidades,
con altísimos índices de pobreza, con economías altamente dependientes y débiles. En
varios de nuestros países el principal producto de exportación es el capital humano que
emigra masivamente en busca de oportunidades y les regresa a sus países la principal
fuente de ingresos: las remesas. Obviamente ante este panorama el tema cultural siempre
queda relegado.

En nuestro caso, como Teatro Justo Rufino Garay, hemos logrado sostenernos en el tiempo
durante 44 años: Hemos formado generaciones de actores, creamos la primera sala de
teatro independiente del país, mantenemos programación de artes escénicas de manera
permanente, fundamos en 1995 el Fit Nicaragua, uno de los eventos de teatro más
importante del país, todo desde el trabajo autogestivo.

He querido mencionar esta iniciativa, en primer lugar, porque es el que más conozco y, en
segundo lugar, como un ejemplo de lo que significa trabajar ya no digamos en Red, sino en
la defensa de nuestro propio proyecto de vida, luchando no solo ante la falta de apoyo y
recursos sino ante la masiva deserción de los jóvenes.

Cuando reflexiono sobre la misma pregunta ¿Qué es lo que nos impide seguir trabajando
en Red? Vuelvo la cabeza atrás y no me queda más que rendirles el sombrero a todos mis
colegas centroamericanos, que, a pesar de nuestros contextos complejos, de atraso,
pobreza económica y subdesarrollo, seguimos creando nuevos espectáculos y festivales y
desarrollando grandes proyectos en nuestros propios territorios, haciendo de la resistencia
y la alegría, uno de los mayores actos revolucionarios. Destaco el papel que Redelae ha
jugado en estos años para nosotros, no solo por sus importantes festivales como ventanas
de oportunidades y de otras realidades, sino por la red de afectos que nos ha permitido,
primero estar aquí el día de hoy compartiendo con ustedes y segundo, porque nos sigue
acompañando en la búsqueda de nuevas rutas para la creación y la circulación que nos
ayuden a romper esa tradición providencialista de la que nos habla el sociólogo
nicaragüenses, como un caminos indiscutibles de libertad y esperanza.

¡Muchas gracias!

*Directora, dramaturga, actriz, docente, promotora cultural y socióloga. Mexicana. Ha dirigido
40 obras de teatro y escrito otras tantas, entre la que destacamos “Ay amor ya no me quieras
tanto” “Marica” “Francisca” y una investigación titulada: “Teatro, Política y Creación, una
aproximación al teatro Justo Rufino Garay”. Fundó en 1979 el Teatro Justo Rufino Garay y la
primera sala de teatro independiente en Nicaragua a raíz de la Revolución Popular Sandinista.
Ha sido formadora de varias generaciones de actores. Su trabajo se ha presentado en los más
importantes festivales de América Latina y algunos de Europa, destacándose: el Festival de
Otoño de Madrid, el Festival de Londrina, Mirada y Belohorizonte en Brasil, el Internacional
Theatre Festival de UCLAlive de los Ángeles, el Festival de Cádiz, de Manizales Colombia, Puerta
de las Américas en México, entre muchos más. En algunos de ellos en varias ediciones. Es
consultora en temas de participación ciudadana y teatro. Ha sido jurado en el género
dramaturgia en Casa de Américas en la Habana Cuba (1991).
Ha realizado talleres y conferencias en Argentina, Colombia, Brasil, Honduras, Costa Rica,
México, España, Estados Unidos, entre otros. Desde 1995 dirige el Fit Nicaragua (Festival
Internacional de Teatro (Monólogos, Diálogos y Mas), uno de los eventos de teatro más
importantes del país.

Recibió el reconocimiento “Aztlán” del gobierno de México a través de su embajada por su
aporte a la cultura nicaragüense, y el reconocimiento “Lo nuestro” otorgado por el Gobierno de
Sinaloa México por trascender las fronteras del Estado. Actualmente sigue dirigiendo el Teatro
Justo Rufino Garay y el Festival Internacional de Teatro, Monólogos, diálogos (Fit).

Volver a aprender una profesión. Los antecedentes

Por: Norka Chiapusso*

Capítulo 1. Nacimiento de una profesión

Treinta y cinco años de profesión dan para mucho. La perspectiva es lo más relevante. Ayuda a ordenar, contextualizar y discernir entre lo coyuntural y lo estructural, entre lo efímero y  lo duradero, entre lo consistente y lo inestable. Esa posición que hemos disfrutado nos ha permitido convertirnos en un testigo privilegiado de la evolución de la escena vasca. También la evolución del público, o de los públicos: el paso del tiempo, los cambios en el consumo cultural, los cambios en el sentido y en el concepto del humor, las variaciones paulatinas que se han producido en los gustos o en las preferencias del público, las evoluciones o involuciones a las que están sometidos los criterios del público, los vaivenes sobre el concepto del ocio, las influencias que ejerce en el público la  “ideología dominante” del momento, la alteración que va sufriendo el binómico colectividad / individualidad, la desaparición de la manera tradicional de relacionarse colectiva y socialmente, la irrupción de la tecnología, la influencia de las redes sociales, la sustitución, o no, de los canales tradicionales de información, y un largo etcétera. Hemos vivido en unos años el nacimiento, crecimiento, desarrollo, y transformación radical de una sociedad, y como consecuencia, de una profesión. Y todo ello, sin parsimonia, a una velocidad casi de vértigo, rozando la imprudencia temeraria.

A partir del 78 se comienza a estructurar la nueva administración democrática. Todo estaba por hacer, los dineros públicos fluían desahogadamente. Se sentaron las bases en el ámbito cultural y artístico hasta entonces escondido en las catacumbas del régimen franquista. Las compañías independientes existentes y los autores y creadores de la época asumen la responsabilidad.  Así en el teatro español fueron compañías como Los Goliardos, Tábano, La Fura del Baus, Sala Becket, Teatro Lliure,  Teatro Corsario, Atalaya, La Cuadra de Sevilla, La Zaranda, Samarkanda, Suripanta, Teatro del Norte… Nace la revista teatral Primer Acto, dirigida por José Monleón, que fue fundamental en la dramaturgia de la época. En la dirección de escena destellan personas como Jose Carlos Plaza, Miguel Narros o William Layton impulsor de Teatro Estudio de Madrid. Autores como Alfonso Zurro (1953), Ernesto Caballero (1957), Chatono Contreras (1957), Miguel Murillo (1953), José Luis Gómez (1950), Paloma Pedrero (1957), Itziar Pascual (1967), o Guillermo Heras (1952), que nos abandonó recientemente.

Mientras, ¿qué ocurre en el País Vasco?. ¿Qué hicieron y quiénes eran los jóvenes teatreros y teatristas de la época? ¿Quiénes tiraron del carro? ¿Quiénes asumieron el reto de crear una dramaturgia vasca? ¿Quienes comenzaron a escribir la historia del teatro vasco contemporáneo? En Vizcaya Ignacio Amestoy, David Barbero o compañías como Cómicos de Legua (1968) impulsada por Ramón Barea, Karraka (1980), Maskarada, Akelarre bajo la dirección de Luis Iturri, o Teatro Geroa que levantó en 1981 “Muerte accidental de un anarquista” de Dario Fo, dirección de Antonio Malonda. Curiosamente un joven Jesús Cimarro ya operaba en aquella época en labores de productor ejecutivo. En Gipúzcoa Alfonso Sastre, Gabriel Celaya, Xabi Puerta, Javier Gil Díez, Rafael Mendizabal, en una línea más comercial, Roberto Herrero, Premio Euskadi de Teatro, con tantos años dedicado a la crítica teatral o compañías como Anexa, Orain,  Teatro Estudio de San Sebastián, dirigido por Manolo Gómez, UR Teatro de Renteria y su “Sueño de una noche de verano” dirigido por Helena Pimenta. Otro joven, Enrique Salaberria, comenzaba a hacer sus pinitos en el teatro independiente de Pasaia. Jaime Azpilicueta, de San Sebastián a Madrid, pasando por París, destacaba por su visión de trascendencia, dirige la obra del autor francés  Jean Giraudoux, “Ondina” . Bederen 1 produjo “El relevo” de Gabriel Celaya y, Tanttaka Teatro, dirigido por Fernando Bernués, puso en pie “Agur Eire, agur”, dirección de Pere Planella sobre la identidad nacional. Maite Agirre, luchadora por una dramaturgia independiente y revolucionaria, funda Agerre Teatroa. Como olvidar al queridísimo Juan Jose Arteche (San Sebastián, 1927-2020) adaptador, versionador y creador de más de 300 textos teatrales. En Alava colectivos como la Cooperativa Denok (1977), fundamental en la estructuración del sector o Teatro Gasteiz y su emblemática “Pasionaria ¡No pasarán!” de Ignacio Amestoy bajo la dirección de Salvador Távora con Ana Lucía Villate en escena. Carlos Gil era el ideólogo de Teatro Gasteiz, participaba en todos los movimientos teatrales alaveses de la época, después de llegar desde Barcelona, dedicado después al periodismos cultural y a la crítica. En calle Bekereke, bajo el liderazgo de Elena Armengod, crea una importante dinámica teatral en el ámbito de las artes de calle. Féliz González-Petite, formado en Los Goliardos, funda La Farándula. Félix es otro de los agitadores de la creación alavesa. 

No nos podemos olvidar el Festival 0 en San Sebastián en 1970, organizado por el teatro independiente, que supuso la primera ventana hacia la libertad de expresión en las artes escénicas en España. 

Y en lo referente al teatro en euskara destacaríamos gentes como Patxi Zabaleta, Yolanda Arrieta, Elías Amezaga, Xabier Mendiguren, Daniel Landart o personas como Patri Urkizu, catedrático, que escribió y documento sobre la historia del teatro vasco.

El artículo continuará en próximas semanas analizando brevemente la evolución de esta profesión como tal, no tan antigua y su evolución paralela, o no tanto, al sentir del público, o de los públicos en unos tiempos en los que todo pasa demasiado rápido.

**Artículo publicado originalmente en ARTEZBLAI (España) y concedido por su autor para su publicación en REDELAE.

Festival MUECA abre convocatoria de propuestas artísticas para 2024

 

 

 

Festival Internacional de Teatro del Biobío

Desde el 8 al 15 de noviembre

Lanzamiento del FTB dejó en claro la relevancia de las artes escénicas para la Región del Biobío

 En el acto realizado en el auditorio Udec participaron representantes de compañías y de instituciones vinculadas al festival. Allí la seremi de Cultura, Orly Pradena, alabó la valentía,el aporte local y la innovación del evento escénico que ya va en su decimocuarta versión.

Con enfasis en su aporte a las artes escénicas regionales se realizó este miércoles el lanzamiento del 14 Festival Internacional de Teatro del Biobío, el cual se extenderá desde el 8 hasta el 15 de noviembre en distintos escenarios de la zona. La actividad realizada en el auditorio de Humanidades de la Universidad de Concepción fue encabezada por el director artístico del FTB, Hugo Covarrubias,y la productora general Camila Provoste, quienes realizaron un positivo balance sobre la evolución del festival desde sus inicios en el 2010 además de presentar cada una de las nueves obras de este año, comenzando con el montaje inaugural “Loco” de la compañía chileno-belga Belova Iacobelli, con el cual se inauguró el evento esa misma tarde en el Teatro Biobío.

Al acto además acudieron la seremi de Cultura Orly Pradena, así como representantes de distintas instituciones vinculadas al FTB de este año, como Artistas del Acero, la Casa de la Cultura de Chiguayante, Escénica en Movimiento y la Universidad de Concepción; casa de estudios con un compromiso especial por las artes escénicas ante la próxima creación de la Escuela de Teatro. Todos ellos destacaron la importancia del festival por el prestigio de los participantes, así como la variedad de estilos y expresiones presentes en la parrilla de este año.

La seremi de Cultura, Orly Pradena, fue la encargada de dar el discurso inaugural, demostrando su pasión por las tablas y rescatando la valentía con que comenzó el FTB tras el terremoto del 2010, consolidándose con los años como el principal encuentro teatral que se realiza en la zona.  “Hoy no solo celebramos la apertura de una nueva edición del festival, sino también la continuidad de un legado artístico que ha perdurado en el tiempo. Me llena de orgullo ver cómo este evento sigue atrayendo nuevas audiencias con una cartelera que refleja la diversidad y la calidad de las artes escénicas.”, sostuvo la actriz y gestora cultural

“Además quiero destacar el increíble trabajo que realiza el FTB durante todo el año, con talleres, formación para artistas y para la comunidad, proyectos de creación colectiva comunitaria y radioteatros que llegan a cada rincón de nuestra región, así como la presencia en escuelas y colegios de distintas comunas. Su dedicación ha permitido que este festival sea un referente, no solo en lo local sino también en el resto del país y a nivel internacional”, agregó la seremi de Cultura.

Por su parte, el director artístico de FTB, Hugo Covarrubias valoró el carácter innovador que ha tenido el festival en el último año con propuestas como el ciclo “Relatos Materiales” en el cual se vinculó a niños y jóvenes con el trabajo actoral y con la realización audiovisual. “Además se suma nuestro ciclo de vinculación que nos permitió llevar  obras y cortometrajes a distintas comunas; así como el ciclo de radioteatro Frecuencias Teatrales con el que llegamos a los auditores de zonas rurales y alejadas”, enfatizó.

En cuanto a la programación de este año, Covarrubias destacó la selección de propuestas para distintos gustos e intereses. “Hubo curatorías diversas en que se apostó por temas como el género, la salud mental, y la reflexión crítica y nostálgica. También procuramos que hubiera variedad de estilos y formatos, con títeres, teatro de objetos o dramaturgia actoral contingente y con códigos contemporáneos” contó el director artístico de FTB.

Por último, la productora de FTB, Camila Provoste mencionó el cruce que existe entre el festival de teatro FTB y el de danza Loft que se realizará desde el 19 al 29 de noviembre. “Nosotros les pasamos la posta, sin competencia y unidos en el afán de contribuir a la escena local y nacional. Ambos eventos además se verán enlazados con el workshop del bailarín y coreógrafo italiano Marco D’ Agostin, quien tendrá su debut en Latinoamérica el martes 14 en Teatro Biobío. Sabemos que Concepción acaba de ser declarada ciudad musical por la Unesco, pero sentimos que este mes debiera estar dedicado a celebrar las artes escénicas debido a la relevancia de ambos festivales”, finalizó.

Consulta la programación completa en: https://ftb.cl/

55 Festival Internacional de Teatro de Manizales

El FITM abrirá el telón y  nos invita a disfrutar en el arte en su máxima expresión.

Manizales vive una semana llena de arte con la edición número 55 del Festival Internacional de Teatro de Manizales, que llega a las tablas y los escenarios de la ciudad hasta el 28 de octubre, con la región de Galicia, España como invitado especial, y con un total de 33 funciones. 13 compañías internacionales, 8 nacionales y 4 manizaleñas serán las protagonistas durante nueve días cargados de mucha expresión, emoción, música y fiesta en el evento teatral más antiguo del continente, que se celebrará en 4 salas de la ciudad: Centro Cultural y de Convenciones Teatro los Fundadores, Auditorio de la Universidad Nacional, Teatro El Galpón y el Auditorio Hernando Aristizábal de Confa.

La calle también se convierte en escenario, como es tradición en cada edición del FITM, y para este 2023 se presentan 4 obras: ‘Varón de Polifonía’, una coproducción manizaleña de Pasos Juntos y Compañía; además, la ciudad también estará representada en la obra ‘Deprontosaurios’ de la compañía X2 Teatro; por Colombia, se llevará a cabo la obra ‘Aluvión’ de la compañía Pantolocos, de Medellín; y la cuota internacional se tendrá con la obra ‘Coreografías Dun Demente’ de la compañía Fran Sieira de Galicia, España.

El Parque Ernesto Gutiérrez, el Parque Antonio Nariño (El Cable), la Plazoleta de la Universidad Nacional el Cable, serán los tres espacios donde se presentarán estas obras las cuales se podrán disfrutar de forma gratuita. Adicionalmente, se tendrán funciones gracias a los Convenios del Festival en los Barrios Villahermosa, El Carmen y La Enea; y en el Colegio Granadino.

Galicia, invitado especial viene con 5 compañías teatrales y sus respectivas obras: ‘Continente María’ de Ainé Producciones, ‘La miel no caduca’ de Ibuprofeno Teatro, ‘Alma de tigre’ de Elefante Elegante, ‘Orquesta de malabares’ de Pistacatro Teatro y ‘Coreografías dun demente’ de Fran Sieira. Otros invitados internacionales son México, con la obra ‘Junio en el 93’ de Teatro de Arena, Argentina con ‘Las Cautivas’ de Teatro Futuro y la obra infantil ‘Kamishibai, teatro de papel’ de Kika Producciones Teatro, Chile con ‘Frankenstein’ de Viajeinmóvil, Uruguay con ‘Constante’ de Comedia Nacional, Portugal con ‘Antígona’ de Teatro do Chapitó y de Costa Rica con ‘La isla rota’ de Teatro Contraluz dirigida a público infantil.

Adicionalmente, “un espectáculo que es muy importante, que es Congo Jazz Band de Les Francophonies, que dirige Hassane Kouyaté, que es uno de los actores más importantes de África… de manera que tendremos una programación muy diversa e interesante, en la que podemos asomarnos a la realidad del teatro latinoamericano contemporáneo”, como destaca Octavio Arbeláez, director del FITM.

Colombia por su parte, viene con 8 obras, iniciando con el estreno de la compañía Teatro Petra con su obra ‘Una banda sonora’ que abre el telón en el C.C.C Teatro los Fundadores a las 7:00 p.m. De igual forma, se presentarán las obras nacionales: ‘¿Quién es Margarita León?’ de Regia Colectivo, ‘Lautaro’ de Pantolocos, ‘El sueño de la bomba atómica’ de Vivemikey, ‘Lobas’ de Teatro Máscara, ‘Ésta cabeza mía que no para’ de Maldita Vanidad Teatro, ‘Nujv (Perro)’ de Teatro del Presagio y ‘Krapp, la última cinta’ una coproducción de la Oficina Central de los Sueños y Actores en Escena.

Manizales, estará presente con 4 obras tituladas: ‘Decrépitos’, ‘Los ojos del amor envueltos en un pañuelo’ de X2 Teatro, la obra de calle ‘Varón en Polifonía’ y una presentación dirigida al público infantil titulada ‘Mágicamente amigos’. Estos trabajos pertenecen a las compañías: Corporación chicos del jardín, X2 Teatro, coproducción de Pasos Juntos y Compañía, y Teatro de Muñecos Granito Cafecito, respectivamente.

“La celebración de 55 años para el Festival de Teatro de Manizales, es un evento significativo que vale la pena resaltar y aplaudir, 55 años generando en la ciudad un movimiento cultural y un reconocimiento como una ciudad teatral a nivel mundial”, como menciona Leonardo Arias, director de la compañía local Actores en Escena. Además, para la celebración de estos 55 años, el FITM cuenta con una programación simultánea en la ciudad de Bogotá, con 9 funciones de ocho grupos escénicos internacionales.

Las presentaciones se extenderán desde el 20 de octubre hasta el 4 de noviembre, gracias a las alianzas con tres teatros de la capital colombiana:
● Teatro Colsubsidio
● Sala Teatro Colón
● Teatro Jorge Eliécer Gaitán

De igual forma, durante esta semana en honor a las artes escénicas, tendrá lugar el 5to Congreso Iberoamericano de Teatro, entre otras actividades de eventos académicos y circulación artística, que se realizan con la participación de directores, actores, académicos y dramaturgos de diferentes lugares del mundo.

Más información en: https://www.festivaldemanizales.com/es

DÍA DEL TEATRO LATINOAMERICANO 2023

Mensaje 2023: SOMOS ENERGÍA NO NEGOCIABLE

por Marianella Morena**

Teníamos todas las condiciones del NO, pero, elegimos el SÍ.
Por terquedad. Por resiliencia.
CAPACIDAD DE SUPERVIVENCIA. Y sobrevivientes.
Podríamos habernos quedado con el NO. El NO amurallado.
Con el mandato. La mirada colonial. Las voces sin voz.
Las voces neoliberales.
A pesar de eso, fuimos por el SÍ PROPIO.
ELEGIMOS EL SÍ, otra vez, para demostrar que: SE PUEDE.
Elegimos. Ni casualidad, ni accidental.
El Sí nace en el YO, y se amplifica plural. COLECTIVO.
El SÍ empieza biológico para ser un SÍ político/POÉTICO,
y fortalecerse.
VENIMOS de los SÍ generados, y vueltos a generar.
Porque quisieron que fuéramos desmemoria.
En teatro PRACTICAMOS el sí.

Repetí conmigo: en teatro reinventamos el sí.

SOMOS palabra, dispuesta a defendernos.
Palabra que ordena lo callado, lo oculto, lo siniestro.
Somos diálogo.
Somos cuerpo que ejercita el encuentro físico.
Somos cuerpo que elabora presente.
SOMOS ENERGÍA NO NEGOCIABLE.

Somos gente que se expresa con herramientas teatrales y decidimos compartirla con gente desconocida.
En la oscuridad de la sala, cada quien se manifiesta sensiblemente, sin importarle quién está al lado, si vota igual que yo, si piensa igual que yo, si cree en lo mismo que yo.
Nos exponemos emocionalmente,
reímos y lloramos en la intimidad del acontecimiento.
Para luego aplaudir como gesto de unidad,
como actitud civilizatoria en un tiempo sin tiempo.
Nos entregamos a una comunidad sin pacto previo, y no tememos, no nos asustamos. No hay violencia.
No hay desesperación, ni ansiedad. Nos quedamos en silencio, apagamos nuestros celulares. Desconectamos de la vorágine impuesta, y dejamos que nuestros pensamientos se fusionen con ese grupo con el cual nunca compartiremos la misma experiencia. Ni nos volveremos a ver.
Y luego nos vamos al bar, o simplemente nos queda el corazón calentito, porque: no hay butaca solitaria.

Vamos por el SÍ expandido, ensanchado, materializado.

SIN MIEDO, ni rentabilidad.
Hemos producido campo simbólico sin cuenta bancaria.
Las leyes del mercado IMPONEN: éxito, aprobación, aceptación.
Las leyes del mercado no vienen a conversar.
Las leyes del mercado no tienen nada que ver con nuestro universo.
Las leyes del mercado planean emboscadas sobre la felicidad,
sobre la creatividad, sobre las renuncias, sobre el engaño,
sobre qué decir para ganar más dinero.
Las leyes del mercado son el disfraz.
Y les respondo: soy la que se equivoca todos los días.
Y hacerlo no es una catástrofe. Es un ensayo.
Las teatralidades están ofrecidas para ser usadas, habitadas, representadas.
No hay por qué saquearlas a escondidas, fingiendo autorías.
Las teatralidades están al servicio de las personas.
Estamos en perpetua construcción. En perpetua contradicción.
Como Latinoamérica.
SIN ESTRUENDO. SIN ALFOMBRA ROJA.
SIN COTIZACIÓN. NI DOLARIZACIÓN.
UN SÍ CON LA MISMA S DE PESOS.
Somos sociedad en fronteras liminales.
SOMOS SÍ para recuperar las políticas públicas,
en una humanidad que nos ve, sin vernos.
SOMOS SÍ para DESTERRAR LA PRECARIEDAD LABORAL.
La desidia, la doble moral.
Hay una realidad que esgrime normalidad y nos ubica en lo fantástico, para gozarnos, y olvidarnos,
Pero,
un texto resuena
un elenco resuena
un montaje resuena.
Somos escenario que manipula lo histórico,
en la columna vertebral de este continente,
sin abandonar la esperanza.
Eso es el teatro.

**Marianella Morena. Dramaturga y directora teatral. Montevideo- Uruguay

El dolor de ver partir

Por: Lucero Millán*

Siempre hemos sabido que cuando alguien parte de su país por razones no deseadas, el  dolor es muy grande. Se me ocurre pensar, que el exilio es una hoja arrastrada por el viento  que no puede nutrirse porque no encuentra las raíces que sostienen el árbol. Los que parten  viajan con un país y unos afectos a cuestas, que no les permiten despegar, pero tampoco  regresar. Conozco por terceros este terrible dolor y me solidarizo con ellos; sin embargo,  pocas veces hemos pensado que para el que ve partir puede ser tan o más doloroso como  para el que se va.  

Soy mexicana, llegué a Nicaragua iniciada la Revolución Popular Sandinista en 1979 con tan  solo diecinueve años de edad. Vine tras la utopía, guiada por la admiración que el pueblo  nicaragüense me generó al derrotar a la dictadura de Somoza, que se había mantenido  durante cincuenta años en el poder. A los dos meses de haber llegado, fundé el proyecto  que sigo dirigiendo actualmente: El Teatro Justo Rufino Garay. Me entregué a la revolución  y a la formación de jóvenes actores con pasión y disciplina. Creamos una escuela de  formación actoral, la primera sala de teatro independiente, un grupo profesional y varios  proyectos sociales. Cuando llegué descubrí un pueblo amable, feliz, enérgico, en un país  verde, volcánico, que tenía lo más importante que puede tener un pueblo: esperanza. 

Los protagonistas de esa revolución fueron los jóvenes. Esos jóvenes y esos deseos de  mejorar su país me han sostenido durante estos 43 años de trabajo a través del teatro, que  se ha convertido en mi proyecto de vida. 

Los contextos han cambiado mucho, de los años ochenta revolucionarios, pasando dieciséis  años neoliberales, para llegar al gobierno actual de Daniel Ortega desde el 2007. He visto  en cada una de estas etapas partir a muchos jóvenes y a otros tantos, no menos  importantes, amigos. No he podido dejar de sentirme desgarrada con cada una de esas  partidas. Si tengo que describir esa sensación, diría: vacío. He tenido que recobrar fuerzas  cada vez, para volver a llenar el balde de energía para continuar haciendo teatro.  

En los años ochenta, cuando arreció la guerra contrarrevolucionaria muchos jóvenes  huyeron por miedo al Servicio militar. Yo volvía a reponer a los que se iban. En los años  posteriores a la revolución, los años llamados neoliberales, la migración continuó sobre  todo por razones económicas. En la época actual, a partir de la crisis de abril del 2018,  sumado a la pandemia del Covid-19, más de 100,000 jóvenes nicaragüenses se han marchado del país por razones políticas y por no encontrar oportunidades de trabajo y de  estudio. No es poca cosa en un país de seis millones de habitantes. Mientras tanto, yo  continúo formando nuevos jóvenes con alegría y con la esperanza de que algunos deseen  continuar con la bandera del teatro y quedarse en su país. Tampoco puedo juzgarlos cuando  la pobreza les golpea las puertas. 

Es muy triste ver como Nicaragua está perdiendo su principal capital, el humano. Todos se  van y se siguen yendo, y yo me pregunto, ¿Por qué yo sigo aquí, teniendo la posibilidad de 

irme? Y yo misma me respondo, quizá porque es importante que se siembren árboles, para  que cuando se vuelva a recuperar esa esperanza, esas hojas que han estado flotantes,  encuentren algún día reposo en unos troncos que estarán sostenidos por unas raíces que  nos darán abrigo y sombra. Entonces, yo también podré partir. 

De origen mexicano. Directora de teatro, actriz, dramaturga, promotora cultural y socióloga.
Funda en noviembre de 1979 el Teatro Justo Rufino Garay, uno de los grupos más consolidados y profesionales de Nicaragua y Centroamérica. Es consultora en temas de participación ciudadana y teatro. Ha realizado talleres en Colombia, Estados Unidos, República Dominicana, Costa Rica, Honduras, España, Guatemala, México, Brasil, entre otros. Ha viajado con su grupo por más de 25 países y obtenido varios reconocimientos. Dirige el FIT/ Nicaragua (Festival Internacional de Teatro, Monólogos, Diálogos y Más…) desde 1995.
Como autora ha escrito “Ay amor ya no me quieras tanto” “La ciudad vacía” “Dulce compañía”, “Francisca” “Las palabras no se las lleva el viento” “Marica” y la investigación “Teatro, Política y Creación, una aproximación al Teatro Justo Rufino Garay”.

Facebook: Lucero Millán
Instagram: lucero_millan_v
www.rufinos.org

 

El centro de todo

Por Gustavo Zidán*

Cuenta la leyenda que, en el siglo III, el actor Ginés de Roma, mientras representaba una comedia ante el emperador, tuvo la ocurrencia de parodiar un bautismo cristiano. Al “recibir” el agua bendita, sucedió el milagro y Ginés -en plena representación- se convirtió al cristianismo. En ese mismo momento, el intérprete no pudo no expresar su -recién hallada pero profunda- fe en Cristo en el propio escenario. En consecuencia, Ginés fue torturado y decapitado un 26 de agosto. 

Esa audaz acción, considerada por los políticos presentes como una blasfemia, le costó la vida a Ginés. Esa defensa de la creencia de Lo Fingido Verdadero -como así titularía luego Lope de Vega una tragicomedia inspirada en el destino del actor- convirtió a Ginés de Roma en mártir de la tradición católica y en santo teatral que, interpretando una ficción, encontró una verdad; que fue mártir y santo por encontrar a Dios mientras actuaba.

Puede resultar una arbitraria imposición reconocer y asociar a creencias del catolicismo la celebración del día del actor y de la actriz. Seguramente, entre quienes integran este amplio colectivo universal, no es justamente el catolicismo una creencia de consenso. Tal vez -más desde una postura que linde lo pagano- podríamos forzar nuestros acuerdos y coincidir en que las actrices y los actores, cuando abordan ese sacro espacio que es el escenario, tienen la capacidad de tensar dialécticamente realidad y ficción y viceversa; virtud que los coloca casi al mismo nivel de lo que la literatura religiosa define como santos y santas. Presencias histriónicamente celestiales con la capacidad de convertir en axioma lo imposible.

Me resulta extraño, en los últimos tiempos, encontrar reiteradamente en la actividad cultural intervenciones u opiniones vinculadas a la gestión del hecho escénico que pierden referencia y desconocen al actor y a la actriz como el núcleo central y constitutivo de lo teatral. Esta posición termina por obviar que es lo artístico lo que vehicula y da sentido a nuestros trabajos y lo que, en última instancia, debe regir el sentido de cualquier política que se quiera llevar adelante vinculada a la gestión del sector, ya sea del ámbito público o del ámbito independiente. Cuando asistimos a esa sucesión de visiones descentradas, es cuando surge en nuestros pensamientos ese concepto en el que mi amiga Laura Pouso (*) insiste: “hay que devolver el teatro a los actores y a las actrices”.

El querido Héctor Manuel Vidal (**) , como buen marxista, pasaba directo a la praxis de esta idea aplicando lo que con el paso del tiempo podría definirse como su método de trabajo como director teatral: Héctor planteaba entender al actor y a la actriz, y a su vez que el actor y la actriz entendieran lo que estaban haciendo. Juzgado por los resultados, justamente estos conceptos -entre otras virtudes y talentos- fueron los que lo convirtieron en uno de los grandes directores teatrales de mi país.

Sé que estas ideas, incluso entre mis colegas, pueden generar diferencias. Si así es, bienvenida la discusión como forma de celebrar este día de reconocimientos a la bellísima profesión de ser actor y actriz.

¡Ahh! Me olvidaba de algo: el cumpleaños de Héctor Manuel Vidal era el 26 de agosto; vaya coincidencia.

 (*) Laura Pouso es actualmente la directora de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático Margarita Xirgu, escuela de formación teatral más importante del Uruguay fundada por la actriz y directora catalana Margatina Xirgu.

 (**) Héctor Manuel Vidal (1941 – 2014) , actor y director teatral uruguayo; dos veces director de la Comedia Nacional

 

*Libertad/Uruguay. Gestor y productor de artes escénicas y docente. Desde 2011, es el Director de la Sala Verdi, institución pública dedicada a las artes escénicas, dependiente de la Intendencia de Montevideo, para la cual programa la Muestra Iberoamericana de Teatro, entre otras actividades artístico culturales.  En enero de 2018 suma a su cargo de dirección en Sala VERDI el de Coordinador del Centro Cultural Terminal Goes , espacio perteneciente al Municipio C de Montevideo.
Ha sido productor teatral, tanto en la escena independiente nacional como en la Comedia Nacional (elenco oficial del Uruguay).
Es egresado de la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático Margarita Xirgu. Participó en decenas de festivales y ferias internacionales de artes escénicas con producciones propias así también como programador. Fue Director Ejecutivo del Auditorio Nelly Goitiño del SODRE y Coordinador de programación del Teatro EL GALPON. Integró la Comisión Ejecutiva de Montevideo Capital Iberoamericana de la Cultura 2013.
Durante años ha sido miembro de LA RED DE PROMOTORES CULTURALES DE LATINOAMAERICA y EL CARIBE y actualmente integra REDELAE Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas, organización de la cual es miembro fundador .
Ha ejercido la docencia en el programa Emprende Cultura de la Universidad ORT, dictando la asignatura Gestión de Emprendimientos Culturales y en el Programa de Formación de Desarrolladores Culturales de la Fundación Zelmar Michelini. A mediados de 2020 se sumó a la Casa de la Cultura de Libertad/ San José como asesor honorario.

Escena Joven 2023

ESCENA JOVEN. Es un programa artístico que tiene como objetivo impulsar y promover a artistas jóvenes emergentes de las distintas artes escénicas en Nicaragua, especialmente aquellos que están iniciando el camino y que necesitan una plataforma escénica de proyección para seguir creciendo en el ámbito técnico y artístico.

Este programa se fundó en el año 2022 como un buen suceso y la marca ya está posicionada. Este año fueron seleccionados ocho colectivos de artes escénicas que se estarán presentado a lo largo del año 2023, los últimos fines de semana de cada mes como parte de la programación de la Sala de Teatro Justo Rufino Garay.

Colectivos que participan en este año:
Stand Up / Roberto lechado/ Se busca Sugar.
Danza contemporánea/ Colectivo carne y Hueso/ Cuerpos en diálogos.
Teatro/ La Hijas del Maíz/ Divorciadas, Evangélicas y Vegetarianas de Gustavo Ott.
Teatro /Los Monosabios / De tripas corazón. De Harold Agurto.
Mùsica/ Banda Insomnio colectivo/ Desde los barrios bajos.
Teatro/ Teatro Catalina/ Un viaje sin retorno.
Teatro/ Grupo Kakuna/ Hágase la mujer de Carlos Campos Sagaseta
Danza contemporánea/ Giovannina Sequeira/ Después de todo.

El programa es una plataforma exitosa de difusión y cohesión para los diversos colectivos participantes. Para el público es una oportunidad de ver propuestas frescas e innovadoras y una opción más para disfrutar del arte y la cultura, ejes fundamentales para la transformación social del país.

El programa está de desarrollado por el Teatro Justo Rufino Garay y financiadopor COSUDE (Cooperación Suiza en América Central).

Convocatoria abierta para el XIII Internacional de Teatro Santiago Off

Teatro líquido

Por Marianella Morena*

Estoy escribiendo un texto teatral que voy a montar en Finlandia, trata sobre la industria forestal. Pienso en el diálogo con lo real, y como mi cuerpo funciona al servicio.  Pongo a disposición mis sentidos, mi sensibilidad entrenada.
Me gustan los monólogos interrumpidos, intervenidos por músicas, estallidos provocadores, y por reflexiones que se desplazan.
Me gustan los diálogos que alteran los monólogos,  base solitaria para discutir, interpelar y abrir otras zonas escénicas.
Me gusta lo post dramático para cuestionar la crisis de la representación, que  ya es casi  una cuestión política más que poética.
He pasado toda la mañana con el texto. Estoy cansada, es el momento de cortar, tengo hambre y necesito cambiar de aire.
Decido bañarme. Abro la ducha, me meto bajo el agua con la intención de despejarme, el agua salada que sale del duchero me deja la piel roja, y áspera.
Intento que no me distraiga. Voy a la cocina, y olvido que lo que sale del grifo no es potable, me hago un té. Lo bebo, escupo, es imposible. Me miro el cuerpo, no me había colocado ningún hidratante. La piel escamada, seca, tirante, el pelo duro, y en la boca un sabor feo, amargo, metálico. Me miro al espejo. Decido que no me afecte.
Vuelvo al texto. Me refugio en el texto.
Es ahí que me doy cuenta, que debo escribir sobre eso.
Mi cuerpo como receptor antes que la palabra.
Mi cuerpo es el primero que recibe la información sobre el estado del agua en Montevideo, antes que las pericias científicas, las estadísticas, los discursos académicos.
Y las múltiples construcciones sobre la verdad.
Montevideo vive una emergencia hídrica,  sin precedentes,
pero es más que eso, inimaginable para nuestra forma de ser y vivir,
pero  es más que eso, Inimaginable para la riqueza de nuestros recursos,
pero  es más que eso, inimaginable para muestra cultura ciudadana.
INIMAGINABLE. ¿Qué será exactamente lo inimaginable para alguien que imagina y trabaja con la imaginación?
O puedo plantearlo desde otro lugar
¿Qué será lo inimaginable en el ámbito de lo real?
De las paredes reales
De las vidas reales
De los sonidos reales
De los dineros reales
De las economías reales
De las esperanzas reales.
¿Qué será? No hay respuesta.
La realidad se declaró en quiebra, y nos estafa, como nos estafó el progreso.
Pienso en la teatralidad, pienso en como los políticos hacen teatro y el teatro hace política. Entonces, me detengo. Cierro los ojos, vuelve con fuerza la emoción. La dejo ser, le permito que se instale. La primera emoción cuando el cuerpo reaccionó. Es desde ahí. Escribo desde ahí.
Pienso en algunas ventajas. Que suerte que puedo ordenar lo testimonial con  el suceso. Concentrarlo.
Pienso en la gran procesadora de presente.
Pienso conmigo y en colectivo.
Pienso teatralmente, y es lo único que me salva.

*Dramaturga-Directora de escena- Docente
Es una de las artistas de la escena uruguaya con mayor proyección internacional.    Sus obras son programadas y giran  por : Argentina, Brasil, Bolivia, Ecuador, Colombia, Venezuela, EE.UU, España, Alemania, Francia, Paraguay, Chile, México. Incluida en investigaciones  uruguayas, argentinas, norteamericanas, italianas, francesas, y cubanas.  Dialoga con lo real desde el presente , con una mirada propia. Comprometida con su contexto y tiempo, trabaja sobre lo social, género y política. Ha sido convocada por Instituciones públicas, privadas, uruguayas y extranjeras, para proyectos de dirección y escritura.  Responsable de apertura de espacios alternativos , teatro de apartamento en su propio domicilio,  proyectos itinerantes parateatrales. Premiada por Francia con el Premio Moliere, por el CCE(Centro cultural de España) en dos ocasiones, por la UBA(Universidad de Buenos Aires)  con el Premio  a espectáculo extranjero, nominada en dos oportunidades a los premios ACE-Crítica argentina. Obtuvo el BUHO por canal 10 de TV abierta uruguaya . Su formación artística la inicia en Uruguay especializándose luego en Polonia, Francia, Argentina. El Instituto Goethe la elige como personalidad teatral y la beca en Berlín. Obtiene becas nacionales como creadora y ha ganado subsidios estatales para su desarrollo artístico. Ha dado charlas en Universidades de EE.UU, Argentina, Perú, Colombia, Chile, España, Francia, e Italia. Como docente se ha desempeñado en: Escuela del Actor, EMAD, TUD,  Escuela Musical, Talleres particulares en Uruguay y en el extranjero. Lleva montados  30 espectáculos. Se destacan, Don Juan, el lugar del beso,  Las Julietas,   Antígona Oriental(con un coro de 20 expresas políticas en escena),  No daré hijos, daré versos, Rabiosa Melancolía, Ella sobre Ella,  BICENTENARIA una intervención escénica con 200 mujeres en la plaza pública en Lima-Perú, Naturaleza Trans, con chicas trans de la frontera con Brasil, en un formato de teatro documento.  Sus textos dramáticos se han publicado en Uruguay, España, Cuba, Francia, y México.
Estrenó en el 2021 PECADOS CAPITALISTAS, un periodístico teatral con políticos uruguayos, periodista y actores. Luego se replicó en Colombia
Muñecas de Piel (basado en hechos reales_ Operación Océano- sobre explotación sexual a menores de edad. Este caso sale a la opinión pública en marzo del 2020, en la actualidad la causa está aún abierta).  En julio de 2021, Morena compareció ante el juzgado , la sentencia fue favorable, y la obra pudo estrenarse.
Fuenteovejuna,  historia del maltrato,  es una coproducción con España. Donde reescribe y dirige , con temporada en Madrid.
Residencia de escritura en Galicia, donde escribe Continente María, sobre María Casares.
Prepara textos(Muñecas de Piel, Naturaleza Trans) para publicar con la editorial española Punto de vista.
Actualmente ensaya Yo soy FEDRA 24HORAS, y prepara proyecto con Finlandia.

Festival Internacional de Teatro Progresista, 2024

Venezuela  ya comenzó los preparativos de la tercera edición del Festival Internacional de Teatro Progresista,  que se realizará  del 21 al 31 de marzo de 2024. Como es sabido este es un festival apuesta al humanismo, la solidaridad, la sensibilidad social y la hermandad entre los pueblos.

Como en las ediciones anteriores, estamos estructurando un programa que contempla una importante presencia internacional al lado de los grupos nacionales. Esta tercera edición significa la consolidación de un proyecto en el tiempo, que implica la presentación de piezas teatrales, eventos especiales, de formación, conversatorios, un registro para la memoria histórica y demás actividades inherentes a un Festival Internacional de Teatro. Ya se inició la recepción de proyectos internacionales. Instamos a los grupos, colectivos y organizaciones teatrales de otros países a presentar sus proyectos para optar a la participación en nuestro Festival Internacional de Teatro Progresista a través de: dirección.fitp@gmail.com

Redes sociales del festivalP
Página web: www.fesitpven.com.ve
Instragram: @fesitpven